Kalligraphie als Grundpfeiler der türkischen Kultur
Da Gott in der christlichen Religion Mensch geworden ist, ist das Bild, das ihn darstellt, Teil des Gottesdienstes. Im Islam hat sich Allah durch das Wort manifestiert, und die Schrift ersetzt das Bild. Daher ist die Kalligraphie in der muslimischen Welt eine wichtige Kunst, die dem Wort gewidmet ist und die Suren des Korans oder die Worte des Propheten auf unbestimmte Zeit reproduziert. Die Osmanen, die in Bezug auf Bilder strenger waren als andere zeitgenössische muslimische Zivilisationen, entwickelten die Kalligraphie so weit, dass sie zusammen mit der Architektur zur osmanischen Kunst par excellence wurde.
Kalligraphen schreiben mit einem Kalmus, einer Feder aus Schilfrohr, deren Größe den Stil der Schrift bestimmt. Die Tinte wird aus dem Ruß hergestellt, den der Rauch von Kerzen in den Öffnungen oben in den Mauern der Moscheen des Reichs hinterlässt. Der Schreiber korrigiert Fehler mit der Zungenspitze (daher der türkische Ausdruck "Tintenlecker", der auch heute noch den Intellektuellen bezeichnet) und trocknet sein Werk mit feinem Sand, den er in seinem Schreibpult aufbewahrt. Osmanische Kalligraphen zeichnen sich sowohl in der Celi-Schrift als auch in der Gubari-Schrift aus. Erstere, in Stein und Holz gemeißelt oder in Keramik gebrannt, schmückt die monumentale Architektur, letztere, fein wie Staubkörner, dient zur Kalligraphie winziger Korane, sogenannter "Bannerkorane", die in Schlachten verwendet werden. Die drei großen Meister der osmanischen Kalligraphie sind Sheikh Hamdullah (1429-1520), Ahmed Karahisarı (1470-1556) und Hafiz Osman (1642-1698).
Die Miniatur, im Zentrum der osmanischen Geschichte
Die Miniaturen, die vom 15. bis zum 18. Jahrhundert die dominierende Form der osmanischen Malerei waren, wurden vielfach daraufhin untersucht, was sie über die soziohistorischen Zusammenhänge und die ästhetischen Anliegen der Vergangenheit aussagen. Aber auch aus malerischer Sicht sind sie spannend, da sie eine besondere Art der Rahmung und Leseweise aufweisen. Miniaturen werden in zwei Kategorien unterteilt: dekorativ (Vegetationsmotive oder geometrische Formen) und illustrativ (Porträts, Schlachtszenen usw.). Diese Kunst erreichte ihren Höhepunkt im 16. Jahrhundert, insbesondere unter Suleiman dem Prächtigen (der selbst zahlreiche Aufträge für sie erteilte), und war zu dieser Zeit durch ihren großen Realismus gekennzeichnet. Türkische Miniaturen sind nicht so berühmt wie persische Miniaturen, obwohl auch sie von bemerkenswerter Qualität sind, mit kräftigeren Farbtönen und viel Liebe zum Detail.
Ebru-Kunst
Ebru oder marmoriertes Papier ist eine Kunst, die in der Türkei seit dem Osmanischen Reich praktiziert wird. Dabei werden mineralische und pflanzliche Farbstoffe auf Wasser getropft, das mit fetthaltigen Substanzen eingedickt wird. Auf dieses Wasser wird dann ein Blatt Papier gelegt, um einzigartige, fast psychedelische Muster zu erzeugen. Die Ebru-Kunst wurde 2014 in die repräsentative Liste des immateriellen Kulturerbes der Menschheit der UNESCO aufgenommen. Auch heute noch ist diese Kunstform sehr beliebt. Diese Kunstfertigkeit und die ihr zugrunde liegende Philosophie werden mündlich und durch eine zweijährige Ausbildung bei einem Meister weitergegeben. Diese Praxis ist für alle Menschen unabhängig von Alter, Geschlecht oder ethnischer Herkunft zugänglich und spielt eine wichtige Rolle bei der Stärkung der sozialen Bindungen zwischen den Gemeinschaften und bei der Stärkung von Frauen.
Die Meerschaum-Skulptur
Meerschaum (oder Lületasi) ist eine in der Türkei vorkommende mineralische Substanz, die seit dem frühen 18. Jahrhundert zum Schnitzen von Ornamenten verwendet wird. Sein wissenschaftlicher Name lautet Magnesiumsilikathydrat, und er kommt 10 bis 300 Meter unter der Erdoberfläche vor, insbesondere in der Provinz Eskisehir (zwischen Istanbul und Ankara). Es ist ein sehr leichtes und leicht zu handhabendes Material, das sowohl stark als auch porös ist. Vor allem aber hat es eine natürliche Absorptionsfähigkeit, die es zum Beispiel ermöglicht, Nikotin zu filtern. Daher ist es bei der Herstellung von Pfeifen so beliebt und wird auch als "weißes Gold" bezeichnet (obwohl seine Farbe zwischen weiß, gelblich, grau und rötlich variiert). Der Bildhauer untersucht jedes Stück des Minerals und berechnet die Spaltlinien, entlang derer es geschliffen werden muss. Der Meerschaum wird gespalten und 15-30 Minuten lang in Wasser eingeweicht, bis er die Konsistenz von Hartkäse erreicht hat, und lässt sich nach dem Erweichen sehr gut bearbeiten. Anschließend kommt er in einen Hochtemperaturofen, ein Verfahren, bei dem die gesamte Feuchtigkeit entfernt wird. Nach einer sorgfältigen Politur wird das Stück eine Reihe von Malen in Wachs getaucht, was ihm eine besondere Färbung verleiht.
Die türkische Malerei zwischen Orient und Okzident
Jahrhundert verlor die Miniaturmalerei zunehmend an Popularität und wurde durch die westlich inspirierte Ölmalerei ersetzt. Der Beginn der türkischen Malerei im westlichen Sinne wird mit der Gründung der Akademie der Schönen Künste (oder Mimar-Sinan-Universität) im Jahr 1884 durch Osman Hamdi Bey, der ersten bedeutenden Persönlichkeit der türkischen Malerei, in Verbindung gebracht. In dieser Zeit fand ein reger Austausch mit Europa statt, sei es durch Studenten, die nach Frankreich oder Italien geschickt wurden, oder umgekehrt durch Maler, die eingeladen wurden, ihre Fähigkeiten in der Türkei weiterzugeben. Die großen osmanischen Maler wie Osman Hamdi Bey, Seker Ahmet Pascha, Hoca Ali Riza, Ahmet Ziya und Halil Pascha widmeten sich hauptsächlich der Landschaftsmalerei und fertigten nur wenige Porträts an.
Nach dem Ersten Weltkrieg hatte der Impressionismus einen großen Einfluss auf die türkischen Künstler. Junge osmanische Künstler, die zum Kunststudium nach Europa gegangen waren, mussten zu Beginn des Ersten Weltkriegs in ihre Heimat zurückkehren, weshalb sie den Spitznamen "Generation 1914" erhielten. Unter ihnen befinden sich bekannte Maler wie İbrahim Çallı, Nazmi Ziya, Feyhaman Duran und Hikmet Onat, die eine wichtige Rolle bei der Verbreitung von Genres wie der Landschaft oder dem Stillleben in ihrem Land spielten. Fast alle unterrichten an der Akademie der Schönen Künste und sind somit aktiv an der Ausbildung der nachfolgenden Generationen beteiligt. Einige ihrer Gemälde sind im Museum für Schöne Künste in Ankara zu sehen.
Die andere große Gruppe, die die türkische Malerei in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts prägte, wurde als "die Unabhängigen" bezeichnet und vereinte die Väter der modernen türkischen Kunst. Diese 1929 offiziell gegründete Vereinigung war die erste Künstlergesellschaft, die nach der Gründung der türkischen Republik im Jahr 1923 ins Leben gerufen wurde. Als Reaktion auf den Stil der Generation 1914 verloren die Unabhängigen das Interesse am Impressionismus und wandten sich der abstrakten Kunst, dem Expressionismus oder dem Kubismus zu. Die bekanntesten Künstler dieser Bewegung sind Refik Fazıl Epikman, Cevat Dereli, Hale Asaf, Ali Avni Çelebi, Zeki Kocamemi oder Muhittin Sebati. Ihre Arbeiten kann man im sehr umfassenden Museum für moderne Kunst in Istanbul bewundern.
Die Fotografie als Symbol für die Modernisierung des Landes
Die Fotografie hat seit dem 19. Jahrhundert stark zur Modernisierung der Türkei beigetragen. Das erste Fotostudio wurde 1845 in Istanbul von den italienischen Brüdern Carlo und Giovanni Naya gegründet. In den 1860er Jahren stieg die Zahl der Studios in der Hauptstadt stark an. Sultan Abdülhamid II. (1876-1909) interessierte sich besonders für dieses Medium, da er selbst in seiner Freizeit Amateurfotograf war. Während seiner Regierungszeit entwickelte sich die Kunst der Fotografie im gesamten Osmanischen Reich erheblich. Der Sultan beauftragte Fotografen damit, Ereignisse, Denkmäler und die wichtigsten Institutionen des Landes zu dokumentieren. Im Jahr 1893 schickte er Dutzende von Fotoalben an die Library of Congress in den USA und das British Museum in England, um für sein Reich zu werben. Die Bilder zeigen Schulen, Eisenbahnen, Krankenhäuser, Denkmäler und Szenen aus dem Leben in Aleppo, Damaskus, Bagdad, Thessaloniki, Izmir oder Istanbul. Ein großer Teil davon ist in der Bibliothek der Universität Istanbul zu sehen.
Nach der Gründung der Republik wurde die Fotografie immer noch stark als Propagandamittel eingesetzt. Bis in die 1970er Jahre wurde sie vor allem zu Dokumentations-, Werbe- oder journalistischen Zwecken eingesetzt, parallel zur Amateurfotografie, die sich exponentiell entwickelte. Die erste Generation zeitgenössischer Fotografen entstand in den 1980er Jahren, als die ersten Absolventen der Fotografieabteilungen ihren Abschluss machten. Zu den renommiertesten gehörten Nazif Topçuoğlu, Ahmet Ertuğ, Arif Aşçı, Ahmet Elhan, Sıtkı Kösemen oder Ani Çelik Arevyan. Ab Ende der 1990er und Anfang der 2000er Jahre diversifizierte sich die Kunst mit einer neuen Generation von Fotografen, die von spezialisierten Orten wie der Elipsis-Galerie unterstützt wurde. Eine der besten Sammlungen des Landes ist in Istanbul im Ara Güler Museum ausgestellt, einem Pionier der türkischen Dokumentarfotografie, der auch als das "Auge von Istanbul" bezeichnet wird.
Zeitgenössische Kunst im Aufschwung
Seit den 1980er Jahren und vor allem in den letzten Jahren ist die zeitgenössische Kunst in der Türkei explosionsartig angestiegen und hat Istanbul zu einem Kunstzentrum mit zahlreichen Galerien, Museen und kulturellen Veranstaltungen gemacht, die ein internationales Publikum anziehen. Die Istanbul Biennale gilt als Katalysator und ist eine der weltweit wichtigsten Veranstaltungen für zeitgenössische Kunst, die weitere Veranstaltungen wie das Istanbul Contemporary Festival, Art International, die Design Biennale und nicht zuletzt Institutionen wie Salt und Arter hervorgebracht hat. Die zeitgenössische türkische Kunst ist sehr vielfältig und manchmal provokativ, sie ist einerseits globalisiert und andererseits aufmerksam gegenüber der lokalen Geschichte und den Traditionen der Region, seien sie griechisch, römisch, byzantinisch oder islamisch. Um nur zwei Künstler dieser neuen Szene zu nennen, denken wir an die mysteriösen Frauendarstellungen von Kezban Arca Batibeki, der die Frage der Ermächtigung der Frauen in der Türkei untersucht, oder an die hyperrealistischen Gemälde von Taner Ceylan, der homosexuelle Erotik schildert und dabei die Codes orientalistischer Gemälde aufgreift.
Street Art als Mittel des politischen Ausdrucks
Streetart erfreut sich in der Türkei und vor allem in Istanbul seit einigen Jahren großer Beliebtheit. Man findet sie in den meisten wichtigen Stadtteilen: Taksim, Besiktas, Kadiköy, Kadiköy, Sisli in Istanbul, Kaliay in Ankara, Tunali Hilmi, Alsancak und Izova in Izmir. Die ersten Fresken tauchten zwar bereits in den 1990er Jahren auf, doch erst mit den Gezi-Ereignissen im Jahr 2013 verbreiteten sie sich wirklich. Ihre Popularität war nach den Protesten so groß, dass das Pera Museum 2014 eine ihnen gewidmete Ausstellung mit dem Titel "Language of the wall" veranstaltete, an der 20 international bekannte Künstler teilnahmen.
Das Hauptquartier der Istanbuler Graffiti-Künstler ist die Istiklal Avenue, die vom Taksim-Platz im Stadtzentrum abzweigt. In der Umgebung warten viele Überraschungen auf Sie. Begeben Sie sich zum Beispiel zur Mimar Sinan Akademie der Schönen Künste, um die Werke ihrer Studenten zu bewundern. Auf der anderen Seite der Stadt ist es der Stadtteil Kadiköy, der sich in Sachen Streetart besonders hervorgetan hat. Diese Form genießt die volle Unterstützung der örtlichen Verwaltung, die jeden Sommer das Festival Mural Istanbul veranstaltet, bei dem sich die Straßen der Stadt buchstäblich in ein Freilichtmuseum verwandeln. Dank internationaler Künstler wie Kripoe, 1UP und Dome oder lokaler Künstler wie Leo Lunatic, Nuka und Esk Reyn werden die Mauern der Stadt verklärt und die Besucher strömen herbei, um sich daran zu erfreuen.
