Die russische Malerei vom 10. bis zum 18. Jahrhundert: vom byzantinischen zum westlichen Einfluss
Unter dem Einfluss von Byzanz, der sich sowohl auf die Kunst als auch auf die Religion, die Architektur und die Literatur auswirkte, wurde die russische Malerei bis zum 18. Jahrhundert von religiösen Themen beherrscht. Nach strengen Regeln wurden diese Werke oft von griechischen Malern geschaffen, die eingeladen wurden, im Land zu arbeiten, und die die byzantinische Kultur verankerten und weiterführten. Mit Peter dem Großen und seiner berühmten europäischen Öffnung emanzipierte sich die Kunst von der Religion und erneuerte ihre Themen. Er verlegte die Hauptstadt nach Sankt Petersburg und schnitt sie von den traditionellen kulturellen Einflüssen Moskaus ab, um eine neue Richtung in der Malerei einzuschlagen. Zu diesem Zweck holte er ausländische Maler ins Land, um russische Künstler auszubilden. Durch die Öffnung gegenüber der deutschen, französischen und italienischen Malerei erlebte das russische Kunstschaffen einen neuen Aufschwung. So entstand eine Dichotomie zwischen Moskau, das zum Heiligtum der religiösen Kunst wurde, und Sankt Petersburg, wo eine neue Schule der Malerei entstand.
Das 19. Jahrhundert - ein emanzipatorisches Jahrhundert für die russische Malerei
Jahrhundert emanzipierte sich die russische Malerei von früheren Modellen, um ihren eigenen Weg zu finden. Gegen den Strom des Neoklassizismus, der die antike Kunst Griechenlands und Roms in den Vordergrund stellte, zeichnete sich eine Figur durch den Erfindungsreichtum seiner Schöpfungen aus: Alexej Venetsianov (1780-1847). Dieser Maler ließ sich vom Landleben inspirieren, dessen Charme und Gelassenheit er durch die bukolische Darstellung sehr schöner Genreszenen zum Ausdruck brachte. Sein Gemälde Sommer, das eine Bäuerin beim Stillen ihres Kindes zeigt, steht sinnbildlich für sein Hauptthema: die Parallele zwischen der Arbeit auf dem Land und der Mutterschaft. Die beiden Künstler, die anschließend das zweite Viertel des 19. Jahrhunderts dominierten, waren Karl Bryullov (1799-1852) und Alexander Ivanov (1806-1858). Diese trugen dazu bei, einen spezifisch russischen Stil zu formen, der unabhängig von den großen ausländischen Vorbildern war. " Der letzte Tag von Pompeji ist der erste Tag der russischen Kunst", rief ein Kritiker angesichts des Gemäldes von Bryullov aus Der Künstler erlangte daraufhin in der gesamten westlichen Welt einen guten Ruf.
Die "Wanderer": Geburt der sozialen Malerei
Mit dem Fall des Russischen Kaiserreichs und der Gründung der UdSSR wurde die klassische Malerei als repräsentativ für den Verfall des alten Regimes angesehen und wie dieses dem Untergang geweiht. Ein neuer Kanon wurde festgelegt, und die realistische Ader, die perfekt zu den sowjetischen Idealen passte, gewann die Oberhand. Die realistischen Maler des 19. Jahrhunderts wie Wassili Perow (1834-1882) wurden wieder in den Vordergrund gerückt. Dieser Vorreiter nutzt soziale Themen wie Armut, harte Arbeitsbedingungen oder Alkoholismus aus. Diese realistische Malerei führt allmählich zu einer sozialen Malerei, die sich in der fordernden Bewegung der "Ambulanten" verkörpert, zu deren führenden Figuren Perov gehört. Sie wurden so genannt, weil sie durch Russland reisten, um die bäuerliche Welt für die Kunst zu erwecken. Der führende Künstler dieser Bewegung war Ilja Repin (1844-1930), zu dessen bemerkenswertesten Werken Die Wolgaschwaden (1870-1873), Die Saporoger Kosaken schreiben einen Brief an den türkischen Sultan (1880-1891) und Iwan der Schreckliche tötet seinen Sohn (1885) gehören. Sie machen durch ihren rohen Realismus und den Eindruck von Leben, den sie vermitteln, einen großen Eindruck auf das Russland der damaligen Zeit. Viele seiner Gemälde können in der Tretjakow-Galerie bewundert werden.
Naive Kunst
Der Norden Russlands verfügt über eine reiche Tradition im Bereich der naiven Kunst. Viele seiner Maler sind Autodidakten, die ihre Sicht und Interpretation der Welt einbrachten, ohne den akademischen Regeln zu folgen. Diese Malerei ist figurativ und stellt meist Genreszenen dar. Das bäuerliche Leben ist eines der am meisten entwickelten Themen der "naiven Maler", die selbst aus dieser Welt stammen. Zu den anerkanntesten Künstlern dieser Richtung gehören Jefim Schestnjakow (1874-1961) und seine Gemälde, die von Figuren mit runden Gesichtszügen bevölkert werden, die nach der lokalen Mode gekleidet sind. Sie geben einen bewegenden Einblick in das ländliche Volksleben in der ersten Hälfte des 20. Man denke auch an Vladimir Zaznobin (1900-1981), einen Zimmermann, der zum Holzschnitzer wurde und dessen anthropomorphe und funktionale Statuen (Bienenstöcke, Mühlen usw.) auf einen Blick erkennbar sind.
Von sozial ausgerichteter Kunst zu Kunst um der Kunst willen
Von 1885 bis 1925 erlebte Russland einen wahren künstlerischen Aufschwung und strahlte auf der internationalen Kulturszene. Das Zentrum dieses Aufruhrs war das Gut Abramzewo (das man noch heute besichtigen kann) des Industriellen Savva Mamontov, auf dem sich die gesamte Szene der Malerei, Architektur und Bildhauerei versammelte. Hier entwickelte sich die symbolistische Strömung, die die ganze Welt beeinflusste, indem sie einen radikalen Bruch mit dem Realismus herbeiführte. Die nationale Folklore wird als Quelle der Inspiration gefeiert.
Ein Maler, der Abramzewo besuchte, namens Michail Wrubel (1856-1910), brach als erster mit der von den Ambulanten geprägten Tradition der sozialen Malerei und verlieh dem künstlerischen Schaffen eine völlig neue Dimension. Seine Besessenheit vom Teufel brachte ein absolut bemerkenswertes Werk mit einem fantastischen Tonfall hervor (siehe Der sitzende Teufel, 1890, und Der terrorisierte Teufel, 1902, beide in der Tretjakow-Galerie zu sehen). Damit wird er, entgegen dem Strom der sozialen Kunstbewegung, zum Vorläufer der "Kunst um der Kunst willen".
1898 bildete sich eine Gruppe von Künstlern, die sich als "l'art pour l'art" bezeichneten, die russische Version des deutschen Jugendstils oder des französischen Art nouveau. Diese versuchten, die verschiedenen Arten der Kunst - Theater, Malerei und Literatur - zu entgrenzen. Die von ihnen gegründete Zeitschrift Welt der Kunst(Mir iskousstva), nach der die Künstlervereinigung benannt wurde, sollte eine große Wirkung auf künftige Generationen haben. Zu ihren prominentesten Mitgliedern gehörten der geniale Boris Kustodiev, Konstantin Korovin, Isaac Levitan, Ivan Bilibin, Anna Petrovna Ostroumova-Lebedeva, Leon Bakst, Nathalie Gontcharoff
Alexander Iacovleff, Elisabeth Krouglikoff und viele andere.
Die große Zeit der russischen Avantgarde
In dieser Zeit entstand die Russische Avantgarde, ein Schlüsselmoment im russischen Kunstschaffen. Ihr Vorreiter war Wassily Kandinsky (1866-1944), der seine Malerei auf das Abstrakte ausrichtete und dem Geist mehr Bedeutung beimaß als der Materie. Seine farbenfrohen Gemälde mit geometrischen Formen waren ein durchschlagender Erfolg, vor allem in Europa, wo er sich niederließ. Einige seiner Bilder sind heute im Russischen Museum in Sankt Petersburg zu sehen. Neben diesen Bildern sind auch die von Kasimir Malewitsch, der zweiten großen Persönlichkeit der Avantgarde, zu sehen. Sein berühmtes schwarzes Quadrat auf weißem Grund (1915), das in der Tretjakow-Galerie ausgestellt ist, stellt einen echten Bruch in der Kunstgeschichte dar, indem es die Schöpfung von der Darstellung der Realität abtrennt und sie in völlig unbekannte Dimensionen von Linien und Materialien führt, was Malewitsch selbst als "Suprematismus" bezeichnen wird.
Der Maler und Bildhauer Vladimir Tatlin (1885-1953) war ein Vorläufer des Konstruktivismus. Marc Chagall (1887-1985), der den größten Teil seines Lebens im Ausland verbrachte, ließ seine Gemälde in traumhaften Tönen erstrahlen. Kusma Petrov-Vodkin (1878-1939) schließlich ließ sich von der Ikonenmalerei inspirieren. Er verwendet, wie es die Regeln der Ikonenmalerei vorschreiben, leuchtende Rot- und Goldtöne, die symbolisch für die Göttlichkeit stehen, und verleiht seinen Figuren damit die gleiche Leuchtkraft wie den ikonischen Heiligen.
Vom sozialistischen Realismus zur Underground-Kunst
Mit der Revolution entstanden zwei Tendenzen: Künstler, die den sozialistischen Realismus, wie er 1932 definiert wurde, akzeptierten, und solche, die sich für das Exil entschieden. Der sozialistische Kanon schreibt vor, das Leben der Bauern und Arbeiter im besten Licht darzustellen, um den Enthusiasmus zu zeigen, den die Revolution mit sich brachte. Die Kunst ist eines der wichtigsten Propagandamittel des Staates, der nicht davor zurückschreckt, sie zu subventionieren und sie zu nutzen, um seiner Ideologie eine visuelle Dimension zu verleihen. Die prächtige Moskauer U-Bahn, die in den 1930er Jahren gebaut wurde, ist ein Symbol für diese Tendenz: Sie soll der Welt zeigen, dass der Sozialismus genauso gut sein kann wie der Kapitalismus, weshalb viele Künstler aufgefordert wurden, sie zu schmücken.
Künstler, die sich nicht an den Kanon halten, werden größtenteils von der Ausstellung ausgeschlossen. Bis 1945 gab es jedoch keine wirkliche Dissidenz in der Malerei oder eine Underground-Szene. Mit dem von Chruschtschow eingeleiteten Tauwetter ab 1953 beginnt eine neue Periode. Die zahlreichen Künstler, die sich den Dogmen des sozialistischen Realismus widersetzten, boten eine innovative, ja sogar revolutionäre Malerei an. Es beginnt die Zeit der Wohnungsausstellungen, in denen diese verbotenen Gemälde gezeigt werden. Ende der 1960er Jahre kam es zu einer Trennung zwischen offizieller Kunst und Underground-Kunst und damit zur Entstehung einer oppositionellen Malerei, zu deren bekanntesten Vertretern Ilya Kabakov (geb. 1933), Vitaly Komar (geb. 1943) und Alexander Melamid (geb. 1945) gehören. Sie verdrehen die Klischees des sozialistischen Realismus, um eine bestimmte Lebensweise in Frage zu stellen. 1974 ist ein Schlüsseljahr: Die Künstler beschließen, öffentliche Ausstellungen zu organisieren, von denen eine von einem Bulldozer zerquetscht wird.
Fotografie im Zentrum der russischen Geschichte
Die Fotografie, ein Genre, das in Russland während des gesamten 20. Jahrhunderts stark entwickelt war, ist ein hervorragendes Mittel, um die Geschichte des Landes zu verstehen. Um den Reichtum und die Vielfalt dieses Mediums zu entdecken, sollten Sie sich das Moskauer Haus der Fotografie nicht entgehen lassen. Dieses 1996 gegründete Museum sammelt Meisterwerke der russischen Fotokunst, insbesondere von Alexander Grinberg (1885-1979) und Max Penson (1893-1959) bei den Piktorialisten sowie Alexander Rodtschenko (1891-1856) und Dmitri Baltermants (1912-1990) bei den Realisten. Sie förderte aber auch aktiv aufstrebende Fotografen, indem sie Festivals, Wettbewerbe und Sonderausstellungen organisierte.
Mit der Sowjetrevolution dominierten natürlich die Sozialfotografie und die dokumentarische Reportage, die in den 1920er Jahren ihren Höhepunkt erreichten, mit unumgänglichen Künstlern wie Rodtschenko. Diese Tradition hält weit über die Sowjetzeit hinaus an und nimmt bei den jüngeren Generationen kritischere zeitgenössische Akzente an, die versuchen, die manchmal brutalen Veränderungen, die das Land durchläuft, festzuhalten. Um nur einige zu nennen: Alexander Abasa (1934-2005), Yuri Kozyrev (1963), Igor Mukhin (1969) oder Georgy Pervov (1974) sind repräsentative Figuren des Stils und seiner Entwicklung.
Zeitgenössische Kunst in Entwicklung
Seit den 1980er Jahren sucht die russische Kunst, die nicht mehr einem Modell entsprechen oder sich ihm widersetzen muss, ihren eigenen Weg. Infolgedessen erlebte das Kunstschaffen bis in die 2000er Jahre eine Flaute, die den Beginn einer Erneuerung im lokalen Kunstschaffen markierte. Heute konzentriert sich die Kunstszene auf Moskau, obwohl auch andere Städte wie St. Petersburg ein gewichtiges Wort mitzureden haben. Im Land gibt es zahlreiche Zentren für zeitgenössische Kunst und in Moskau findet seit dem Jahr 2000 eine Biennale statt, die ein wachsendes internationales Publikum anzieht. Das beeindruckende Garage Museum of Contemporary Art, das 2008 von zwei Philanthropen gegründet wurde, hat sich innerhalb weniger Jahre zu einer Referenzinstitution für zeitgenössische Kunst entwickelt und Moskau in dieser Hinsicht auf eine Stufe mit anderen globalisierten Hauptstädten gehoben.
Eine solche Infrastruktur, die von den Bemühungen lokaler Kuratoren und Galeristen (wie der Tatintsian Gallery) begleitet wird, ist eine wichtige Stütze für aufstrebende russische Künstler und verhilft ihnen zu mehr Sichtbarkeit innerhalb des Landes und auf internationaler Ebene. Dank dieser institutionellen Unterstützung trauen sich diese zunehmend, sich gegenüber der Staatsmacht zu Wort zu melden, obwohl die Zensur nach wie vor sehr real ist. So wurde 2014 der Direktor des PERMM, das die Ausstellung von Wassili Slonow (1969), einem Kritiker der Olympischen Spiele in Sotschi, geplant hatte, entlassen, obwohl es sich um eines der wichtigsten Museen für zeitgenössische Kunst des Landes handelt.
Street Art, eine zunehmend dynamische Szene
Die Street Art kam Ende der 1990er Jahre nach Russland, zunächst vor allem nach Moskau und St. Petersburg, bevor sie sich über das ganze Land ausbreitete. Die Street Art beschränkt sich keineswegs auf kleine, heimliche Graffiti, sondern hat sich zu einer echten Kultur entwickelt, mit ihren großen Meistern, unumgänglichen Orten, Referenzen und Ritualen. Diese Szene wird von Hip-Hop- oder Breakdance-Konzerten begleitet, eine ganze Atmosphäre, die zum Gemeinschaftsgeist und zur Solidarität der Jugendlichen, die sich daran beteiligen, beiträgt. Die Street Art, die anfangs als kriminell galt, wird immer mehr zur Normalität und wird heute positiver gesehen. Die Stadtverwaltungen haben erkannt, wie sehr sie als Vektor für soziale Bindungen fungieren und dazu dienen kann, alte oder marginalisierte Viertel wiederzubeleben und zu verschönern.
Zu den "Vätern" des Genres gehört Zmogk (1979), einer der ersten Künstler, der die Straßen von Moskau als Leinwand nutzte. Elektrische Roboter, futuristische Maschinen und Transformatoren sind wiederkehrende Themen in seinen farbenfrohen und oft monumentalen Arbeiten, die heute auf der ganzen Welt zu finden sind. New life, eines seiner letzten Fresken, das anlässlich des Festivals Urban Morphogenesis in Odinstovo entstand, ist sehr abstrakt und besteht hauptsächlich aus Farbflächen; es zeigt die grafischere Wende, die seine Arbeit in letzter Zeit genommen hat. Das Bild wurde auf die Wand eines riesigen Turms gemalt und verleiht der Szenerie eine gewisse Leichtigkeit.
Wenn Sie nicht genug Zeit haben, um sich auf die Suche nach jedem einzelnen Wandgemälde zu machen, können Sie im Street Art Museum in St. Petersburg die Werke der wichtigsten russischen und internationalen Künstler bewundern. Die ehemalige Backsteinfabrik, die sich über elf Hektar erstreckt, ist ein idealer Schauplatz. Sie ist natürlich ein Treffpunkt für Streetart-Fans, aber nicht nur, denn sie beherbergt auch einen Skatepark und veranstaltet regelmäßig Workshops, Treffen und DJ-Sets. Ein Ort der Freiheit und ein unumgänglicher Treffpunkt für die lokale Jugend!
