Vorgeschichte
Die ersten Spuren künstlerischen Ausdrucks in diesem riesigen asiatischen Land finden sich in den Höhlen von Bhimbetka in Madhya Pradesh. Die ältesten Petroglyphen stammen aus der Zeit um 8000 v. Chr. Sie wurden mit mineralischen Pigmenten vorwiegend in Rot und Weiß ausgeführt und zeigen Tiere und Menschen in Tanz-, Jagd- und Kampfszenen sowie alltägliche Tätigkeiten wie die Honigernte. Pfauen, Tiger, Büffel, Löwen und Elefanten tauchen auf den Felswänden auf.
Im Indus-Tal, an der Grenze zwischen Indien und Pakistan, entwickelte sich um 3300 v. Chr. die Zivilisation der Harappäer. Nach Jahrhunderten einer wahrscheinlich friedlichen Blütezeit geriet sie in Vergessenheit, bis Ende des 19. Jahrhunderts Ausgrabungen durchgeführt wurden. Diese Kampagnen zeigen, dass die Töpferkunst eine Schlüsselrolle bei ihrer Ausbreitung spielte, insbesondere im Ganges-Tal. Die ältesten indischen Skulpturen wurden zwischen 2500 und 1800 v. Chr. aus Ton und Bronze gefertigt.
Alte Zeiten
Die Griechen und Römer der Antike waren die ersten, die von der indischen Kunst fasziniert waren. Vielleicht liegt es daran, dass die Bildhauerei in Indien eine herausragende Stellung einnimmt. Jahrhunderte vor unserer Zeitrechnung wurden die ersten monumentalen Schöpfungen aus Stein gehauen. Ab dem5. Jahrhundert wurde die Technik des Bronzegusses nach dem Wachsausschmelzverfahren, bei dem eine Form verwendet wird, übernommen. Die hohen Skulpturen ehren die Gottheiten, insbesondere Shiva oder Buddha. Der Jainismus und der Islam beeinflussen die Schaffung dieser steinernen Gottheiten in Verbindung mit den heiligen Stätten.
Die Wände der Tempel werden mit erzählenden Reliefs geschmückt. Unter der Herrschaft von Narashimavarman I. im 7. Jahrhundert bedeckten Flachreliefs die Wände von Tempeln und Höhlen, die noch heute in der Region Chennai zu sehen sind. Am Standort Mahabalipuram sind die Felsschnitzereien der Mahabalipuram-Höhlen ein perfektes Beispiel für die Volkskunst der Hindus. Im Shiva gewidmeten Schrein zeigt ein Hochrelief die Gottheit im Familienkreis oder in Somaskanda, d. h. mit seiner Frau Parvati und dem Kind Skanda. An der Nordwand erscheint die Göttin Durga in Mahisamardini, ihrer kriegerischen Form. Auf ihrem Löwen reitend, jagt sie den büffelköpfigen Dämon Mahisa. Auf der Südseite liegt Vishnu auf der Schlange Ananta, dem Symbol der unendlichen Zeit, während zwei Dämonen (das Böse und die Unwissenheit) sich darum bemühen, ihn zu erwecken. In der Höhle von Varaha 2, deren Säulen von gehörnten Löwen getragen werden, entdeckt man Vishnu als Wildschwein, das die Göttin Erde trägt, die aus dem Wasser aufsteigt. Vishnu erscheint an mehreren Stellen der UNESCO-Weltkulturerbestätte als Brahmanenzwerg oder auch als Hirte.
Das Taj Mahal
Das Taj Mahal ist ein Symbol für Indien in der ganzen Welt und wurde im 17. Zwischen 1631 und 1653 in Agra erbaut, zelebriert dieses Prunkstück der indo-islamischen Architektur die Liebe des Mogulkaisers Shâh Jahân zu Mumtaz Mahal. Das majestätische Gebäude ist nichts anderes als das Mausoleum der dritten Frau des Maharadschas. Mumtaz war in Wahrheit seine erste Liebe, die sein Vater ihm aufgrund seines Ranges verbot zu heiraten. Er zwang ihm zwei Ehefrauen auf, mit denen er seine Ehe nicht vollzog. Als sein Vater starb, konnte der Kaiser endlich mit seiner Geliebten vereint werden. Mumtaz gebar ihm vierzehn Kinder, bevor sie am 17. Juni 1631 starb. Der am Boden zerstörte Shâh Jahân verlangte von seinen Architekten, dass sie ein Gebäude errichteten, das dem Paradies würdig war. Ein Symbol seiner ewigen Liebe.
Heute verleiht der Sonnenauf- und -untergang dem Monument aus weißem Marmor einen romantischen Glanz. Seine mit Intarsien verzierten Fassaden spielen mit der Helligkeit. Jede Oberfläche ist mit Steinen eingelegt oder fein in Stuck gemeißelt. In den wichtigsten Bereichen setzt sich der Marmor durch.
Shâh Jahân initiierte ein umfangreiches Bauprogramm.
Das erste Beispiel für ein Gartengrab, das noch vor dem Taj Mahal errichtet wurde, kann in Delhi besichtigt werden. Humayuns Grabmal, ein Juwel der Mogulzeit, wird auf das Jahr 1560 datiert. Das Innere hat einen achteckigen Grundriss und ist mit Stein- und Marmorintarsien auf rotem Sandstein verziert.
Merkmale der indischen Kunst
Im Gegensatz zu anderen vom Islam beeinflussten Kulturen hat die indische Kunst die figurative Kunst nie aufgegeben.
Das Besondere an der indischen Ästhetik ist ihre Beständigkeit. Bestimmte Merkmale bleiben über zwei Jahrtausende hinweg bestehen. Religiös motivierte Kunst dominiert, auch wenn Religion und Alltag so stark miteinander verwoben sind, dass es schwierig ist, sie voneinander zu unterscheiden.
Die menschliche Figur wird idealisiert. Da sie in der Regel im Erwachsenenalter dargestellt wird, zeigt sie keine Anzeichen von Alterung, Krankheit oder Schwäche. Es gibt auch keine Scham, sondern eine Verherrlichung des menschlichen Körpers. Der Akt ist kaum verhüllt. Die Frau zeigt stolz ihre Sinnlichkeit, raffiniert und sanft.
Indische Bildhauer und Maler schöpfen fröhlich aus dem Pantheon mit 33 Millionen Göttern. Dennoch herrscht die große Dreifaltigkeit, die aus Brahma, Vishnu und Shiva besteht. Jeder von ihnen nimmt je nach Erzählung verschiedene Erscheinungsformen und Attribute an. Darüber hinaus bereichern lokale Glaubensvorstellungen das Spektrum der Inkarnationen. Die Avatare orientieren sich am Tierreich und an den Eigenschaften, die jeder Spezies innewohnen.
In Abhandlungen wird der Kanon festgelegt, den es einzuhalten gilt. Gemäß diesen sechs Shadangas muss jeder Künstler seiner Schöpfung die Schönheit der Form, die Harmonie der Proportionen, die Emotionen, die Ästhetik, den Realismus und die Ausgewogenheit der Farben verleihen. Trotz allem haben die Normen die Dynamik der indischen Kunst nie behindert.
Aufkommen des Klassizismus
Die Gupta-Dynastie (ca. 4.-6. Jahrhundert) zeichnet sich dadurch aus, dass die menschliche Figur zugunsten göttlicher Themen zurücktritt. Die brahmanischen Themen profitieren von der grafischen Perfektion, die im Laufe der Epochen erworben wurde. Die Kunst bleibt narrativ, verliert aber nach und nach ihre Wärme. Der klassische Stil breitet sich in ganz Asien aus.
In Indien etablierten sich ab dem 7. Jahrhundert lokale Schulen. Der Rückgang des Buddhismus, der im 12. Jahrhundert verschwindet, wirkt sich auf die bildende Kunst aus. Die vedische Religion, die ihm folgte, inspirierte zu bewegteren, aber auch grandioseren Werken.
Es gab zwei Tendenzen: eine, die den Kanon fortsetzte, und eine, die die Skulptur mit der Architektur verband.
Die Malerei war weniger entwickelt, wurde aber durch iranische und später europäische Einflüsse bereichert. Zu nennen sind hier die wunderschönen Fresken von Ajanta (Bundesstaat Maharashtra - 1 . bis 7. Jahrhundert). In diesen Höhlen wird das Leben Buddhas in einer Fülle lebendiger Szenen in einem Stil dargestellt, der den Höhepunkt des indischen Klassizismus darstellt. Die Maler führen Porträts und Hofszenen aus. Miniaturmaler illustrieren die brahmanischen Gedichte. Die Paläste sind mit Fresken geschmückt, aber auch mit Gemäldegalerien. Eine beeindruckende Sammlung von Gemälden aus dem 19. Jahrhundert findet man in Cochin (Kochi) im Pareekshith Thampura Museum oder in der Durbar Hall Art Gallery.
Rajput-Malerei
Imperien und Dynastien folgten einander auf den landwirtschaftlichen Flächen Rajasthans. Die Malerei entwickelte sich in diesem Staat besonders stark.
Unter der islamisch geprägten Dynastie der Großmoguln (1528-1858) entstanden immer mehr Malerwerkstätten. Jedes Werk, das aus einer Zusammenarbeit entstand, war anonym.
Zwischen dem 16. und dem 19. Jahrhundert entstehen mehrere Malschulen. Die ersten sind die von Mewār und später die von Bundi. Diese von der Buchmalerei dominierte Hofkunst ließ sich von persischen Miniaturen und der europäischen Druckgrafik inspirieren. Die Rajput-Malerei illustriert den Hinduismus (Râma und Krishna) oder, in geringerem Maße, Gefühle wie die Liebe. Die Figuren, die im Profil betrachtet werden, haben ein riesiges Auge und eine feine Nase. Der Hintergrund ist in kräftigen Farben gehalten und mit Naturelementen verziert.
Unter Shâh Jahân waren zwei Genres beliebt: das offizielle Porträt und die Nachtlandschaft. In einem kühlen Stil wird der Herrscher in einer starren Haltung voller Stolz gezeigt. Eine reiche Palette wird verwendet, um seine Autorität auf jede erdenkliche Weise darzustellen, insbesondere auf einem Globus stehend. Die von der westlichen Ikonografie inspirierten Maler führten Engel ein, die auf Spruchbändern Oden zu seiner Ehre entrollten. In den Manuskripten tauchen naturalistische Elemente auf, die von europäischen Strömungen inspiriert sind.
Postkolonialismus
Als Indien im 19. Jahrhundert britische Kolonie wurde, wurden Kunstschulen eröffnet, die europäische Stile förderten. Der Einfluss erfolgte in beide Richtungen. Der Brite Horace Van Ruith schilderte das Leben in einem Brahmanenhaushalt, während die indischen Maler die westliche Vision der Romantik entdeckten.
Das Jahr 1947 und die Unabhängigkeit Indiens leiteten eine kulturelle Wende ein. Die Künstler begaben sich auf die Suche nach neuen Stilen. Ihre Experimentierfreude nahm von da an stetig zu. Bereits 1952 gründeten sechs Künstler die Bombay Progressive Artists' Group. Obwohl sie nur von kurzer Dauer war, schlossen sich ihr alle wichtigen bildenden Künstler der 1950er Jahre an. Maqbool Fida Husain (1915-2011), der Gründer dieser progressiven Strömung, erneuerte die narrative Malerei und den Kubismus. Von Picasso beeinflusst, verschmilzt Husain die indische Ästhetik mit den Innovationen des Meisters.
Im Süden kommt der indische Modernismus über die Madras-Bewegung, die in den 1960er Jahren in Chennai entstand. Im Zuge der Unabhängigkeit stellen die Künstler die nationale Identität in Frage. Der erste indische Direktor der Madras School of Arts and Crafts, Devi Prasad Roy Chowdhury, führte den ersten Kunstlehrgang im Süden ein und legte damit den Grundstein für die erste moderne Kunstrichtung. In der Bildhauerei wird die Bewegung von S. Dhanapal vorangetrieben. Im Gegensatz zu anderen modernen Bewegungen wie der Bombay Progressive Artists Group lehnte die Schule von Madras jegliche europäische Inspiration ab. Drei Jahrzehnte lang schöpften diese Künstler aus der Geschichte, der Mythologie, der Folklore und der lokalen Ikonografie, um ein nationalistisches Vokabular zu entwickeln. Figuration und Abstraktion existieren nebeneinander. KV Haridasan (1937-2014), ein Pionier der neo-tantrischen Kunst, repräsentiert die abstrakte Tendenz; C Douglas, ein 1951 geborener Maler und Bildhauer, begann mit geometrischer Abstraktion, bevor er sich im Dorf Cholamandalam niederließ, wo er die Ausdrucksmittel und die Figuration mit der Abstraktion vermischte.
Amrita Sher-Gil
Amrita Sher-Gil (1913-1941), eine Pionierin unter den Künstlerinnen in Indien, zeigt, dass der künstlerische Bereich nicht nur Männern vorbehalten ist. Amrita Sher-Gil, die ungarischer Abstammung und Sikh war, erhielt eine vielseitige künstlerische Ausbildung. In Paris schrieb sie sich an der Académie de la Grande Chaumière und später an der Beaux-Arts-Schule ein. Sie wandte sich der Malerei im Freien zu. Ihr Stil vereinfacht sich, sobald sie nach Indien zurückkehrt. Dort stellt sie ihr Bild von Indien durch Porträts von Einheimischen dar. Ihr Stil etabliert sich an der Schnittstelle zwischen Orient und Okzident. 1937 schuf sie eine Trilogie über Südindien, in der Brahmacharis eines ihrer erfolgreichsten Werke ist. Ihr reiner Stil betrifft sowohl die Formen als auch die Farben. Der Künstler stellte immer wieder Codes auf den Kopf und setzte sich in Woman Resting on Charpoy (1940) mit der Darstellung der Frau auseinander.
Ihre Werke wurden nach ihrem Tod im Alter von 28 Jahren der Nation übertragen. In den 1970er und 1980er Jahren wurde sie gefeiert und oft in Identitätsdebatten zitiert.
In dem Jahr, in dem Amrita Sher-Gil ihr Meisterwerk malte, wurde 1937 die erste abstrakte Künstlerin Indiens, Zarina Hashmi, geboren.
Aktuelle Szene
In der zeitgenössischen Kunst Indiens sind unzählige Stile vertreten. Viele dieser Talente sind international anerkannt. Anish Kapoor, geboren 1954, zog in den 1970er Jahren nach London, bezeichnete sich aber weiterhin als Einwohner von Mumbai. Schon in seinen Anfängen erregte sein schlichter Stil Aufmerksamkeit. Das Interesse wuchs, als seine auf dem Boden liegenden Werke gigantische Ausmaße annahmen. Kapoor spielt mit den Oberflächen. Zunächst reflektierend, werden sie später mit Vantablack bemalt, einem Schwarz, das das Licht absorbiert und so die Illusion eines Hohlraums erzeugt. Er wurde auf der Biennale in Venedig und später mit dem begehrten Turner Prize ausgezeichnet.
Sein Zeitgenosse Atul Dodiya machte 1999 mit einer Serie über Mahatma Gandhi auf sich aufmerksam. Von nun an lässt der Künstler Bilder aus Bollywood in seine Fotoinstallationen und Assemblagen einfließen.
Die 1979 geborene Bildhauerin Sakshi Gupta recycelt Alltagsmaterialien und verleiht ihnen mithilfe von Licht einen Hauch von Spiritualität. Einige Kompositionen erinnern an die Tiere der indischen Mythologie, wie das grandiose Some Beasts.
Subodh Gupta, ein Superstar der zeitgenössischen Kunst, wurde 1964 geboren. Aus einfachen Verhältnissen stammend, ließ er sich zunächst zum Maler ausbilden, bevor er die Medien variierte. Schließlich widmete er sich der Bildhauerei, wobei sich seine Themen um die indische Kultur drehen. Kühe und Alltagsgegenstände werden präsentiert, um die wirtschaftlichen Veränderungen in seinem Land widerzuspiegeln.
Außerhalb der Mauern
Der facettenreiche Künstler Harshvardhan Kadam tritt durch urbane Kunst in einen Dialog mit der Öffentlichkeit. Er übt sein Talent in der Malerei aus, sei es auf Leinwand oder an der Wand, in der Buchillustration oder in Animationsfilmen. Kadam hat unter anderem Song of the City auf der Mauer des Yerwada-Gefängnisses in Pune signiert. Mit einer Länge von 320 Metern und einer Höhe von 7 Metern ist es das größte Wandgemälde, das in Indien angefertigt wurde. Der 1984 geborene Kadam, genannt Inkbrushnme, malt mythologische Szenen an Wände auf der ganzen Welt.
Straßenkunst ist in Indien eine Lebenseinstellung. Man malt Bollywood-Stars auf Rikschas, Werbung auf Wände und Götter auf Schaufenster, um an das Verbot des Urinierens im öffentlichen Raum zu erinnern. Selbst in den entlegensten Dörfern ist das Malen im Freien eine Tradition.
Das erste Viertel in Neu-Delhi, das sich für Street-Artists öffnete, war Khirki Village. Hier wurde einst neben einer Mülldeponie ein viel beachtetes Buddha-Gesicht mit einer Anti-Pollution-Maske gemalt. Leider wurde es in der Zwischenzeit mit weißer Farbe übermalt. Das hat der Dynamik der Einheimischen jedoch keinen Abbruch getan. In Khirki gibt es viele junge Galerien und das Khoj, ein Zentrum für zeitgenössische Kunst, das Residenzen und innovative Veranstaltungen anbietet.
In der Hauptstadt schmückt das höchste (45 m) und ikonischste Wandgemälde eine Fassade des Polizeihotels. Das berühmte Porträt des lächelnden Gandhi wurde von Anpu Varkey und dem deutschen Künstler Hendrick ECB Beikirch geschaffen. Es handelte sich um den ersten offiziellen Auftrag für öffentliche Kunst. Seine Fertigstellung erfolgte im Januar 2014 im Rahmen des St+Art Delhi Festivals. Der Verein St+Art India fördert öffentliche Kunst in den wichtigsten indischen Metropolen. Langfristig hofft sie, kreative Hubs zu generieren und die Stadtviertel zu beleben. Und es funktioniert! In Shahpur Jat, einem Designer-Viertel im Süden Delhis, ist das Festival so erfolgreich, dass sich die Straßen des Viertels verwandelt haben. Angesagte Cafés, Ateliers und Modehäuser sind entstanden. Schon bald trugen Lodhi Colony, Moolchand oder Khan Market zur künstlerischen Entwicklung Delhis bei.
In Mumbai belebt das St+Art Festival den Mahim Art District und in Chennai vibriert Kannagi. Die Fresken, die Liebe, Frieden und das lokale Leben thematisieren, sind würdige Erben einer Kunst, die durch ihre Menschlichkeit auffällt.
