Malerei
Die Malerei ist eine der ersten Künste, die in Japan praktiziert wurden. Die Kaiga-Kunst hat im Laufe der Jahrhunderte eine breite Palette von Stilen angenommen. Man muss zwischen der Malerei vor und nach 1868, dem Beginn der Meiji-Zeit, unterscheiden.
Vor dieser Zeit ist der Einfluss der chinesischen Malerei vor allem in der Einführung von Wolken zur Fragmentierung einer Landschaft, von Blumen und Vögeln zu spüren. Die Malerei der Heian-Zeit (794-1185) und ab dem 17. Jahrhundert der Rinpa-Schule sind von allen chinesischen Merkmalen bewahrt.
Kamakura- und Muromachi-Periode
Während der Kamakura-Periode (1185-1333) illustrierten die Maler das Leben von Geistlichen und anderen wichtigen Persönlichkeiten sowie die Romane des kaiserlichen Hofes. Es entstand eine neue Art der monochromen Malerei, die mit Lavuren ausgeführt wurde. Sie nahm in der Muromachi-Zeit (1333-1568) ihren eigentlichen Aufschwung. Unter der Herrschaft der Ashikaga gewann das Porträt allmählich an Bedeutung. Das Gesicht wird bevorzugt, die Kleidung wird eher summarisch behandelt. Dann wird der Halbkörper nach der Zen-Technik gewählt.
Die Maler, die auch Kalligraphen sind, legen großen Wert auf die Landschaft. Die Bildträger, sei es Seide oder Papier, setzen eine große Beherrschung der kalligrafischen Geste voraus.
Der buddhistische Malermönch Sesshū, ein Meister der monochromen Tuschemalerei, interpretiert die lyrische Bewegung der chinesischen Song-Künstler neu und verleiht ihr einen japanischen Touch. Die Komposition, die oft von rechts nach links und von unten nach oben verläuft, hebt die schwarzen Massen und die allmähliche Verdünnung der Schwarztöne hervor. In dieser Epoche herrscht auch die Kanō-Schule vor. Der einflussreichste von ihnen, Motonobu, mischt gekonnt leichte, transparente Lavuren mit breiten Tuschewaschungen.
Momoyama-Zeitalter (1573-1600)
Die herrschende Macht ist zu dieser Zeit besonders mächtig. Die Kanō-Schule dekoriert weiterhin Residenzen und Paläste, insbesondere Eitoku Kanō, der die Dekoration der Residenz von Hideyoshi Toyotomi in Angriff nimmt. Auch die chinesische Ming-Dynastie ist sehr einflussreich. In dieser Zeit entdeckten die Japaner die Ölmalerei mit einer von Franz Xaver mitgebrachten Madonna.
Edo-Zeit (1600-1868)
Den Kanō wird der offizielle shōgunale Schutz zugesichert. Meister Tan-yu dekoriert im Auftrag der Tokugawa die Gräber von Nikkō und die Mausoleen im Shiba-Park in Edo. Er dekoriert auch den Kaiserpalast (Gosho) in Kyōto. Das berühmte Gemälde Tiger in Bambus befindet sich im Nanzen-Ji in Kyōto.
Der Maler Kōetsu Honami nutzt den Einfluss der Kanō und Tosa, um die Bemalung von Blumenschirmen in Angriff zu nehmen, die zugleich einfach, stilisiert und farbenfroh sind. Es werden nun farbige Waschungen verwendet. Während der Edo-Zeit entwickelte sich auch die Druckgrafik. Eine Schule von Malern bildet sich um dieUkiyo-e oder Malerei der schwebenden Welt, was sowohl Malerei der vergänglichen Welt als auch modische Malerei bedeutet. Diese Maler wurden nach und nach zu Holzschnitzern. Diese Holzschnitte ermöglichten es, die Darstellung der städtischen Vergnügungen für eine neue Gesellschaftsschicht zu geringen Kosten herzustellen. Man malte und gravierte Kurtisanen, Szenen aus dem Alltag und Kabuki-Schauspieler. Nach und nach wurden die Themen vielfältiger und man sah Landschaften, Tiere, Blumen etc. Matabei Iwasa war einer der größten Vertreter dieses Genres. Ab 1765 erschien der mehrfarbige Druck mit seinen großen Meistern: Harunobu Suzuki und Kiyonaga Torii, dann Utamaro Kitagawa, und schließlich Hokusai Katsushika und Hiroshige Andō, wobei die beiden letzteren Meister der Landschaftsmalerei waren.
Erste westliche Beiträge
Die Entstehung der sogenannten zeitgenössischen Malerei in Japan geht auf das 18. Jahrhundert zurück. Interessant für ein bis dahin isoliertes Land sind die ausländischen und insbesondere die chinesischen Einflüsse, die über die Ryūkyū-Inseln und Nagasaki in das damalige Japan gelangten. Der Bildraum wird durch die Anwesenheit der Holländer in Nagasaki, die die Gesetze der Perspektive einführen, erschüttert. Während die Entdeckung dieser verschiedenen Techniken nur eine noch oberflächliche Rolle spielt, ist die Malerei zwischen zwei Tendenzen gespalten: einer realistischen und einer eher idealistischen.
Die realistische Strömung, die nach dem Künstler Ōkyo Maruyama (1733-1795) oft als Maruyama-Shijō-Schule bezeichnet wird, wendet aus dem Westen stammende Verfahren auf Landschaften an. Er schwankte zwischen einem sehr akribischen Stil, den er bei kleineren Werken anwandte, und einem dekorativen Stil auf größeren Leinwänden. Goshun (Gekkei Matsumura, 1752-1811), der Begründer der Shijō-Schule, wurde von Buson Yusa in der Haiku-Kunst beeinflusst. Bei Goshun lassen sich zwei verschiedene Perioden unterscheiden. Die erste direkt aus der Dominanz des Stils von Buson Yusa, die zweite geprägt durch eine Rückkehr zu Ōkyo Maruyama. Im Blauen Reiher mit Hibiskus lassen sich die Merkmale von Buson bewundern, und in seinen späteren Werken wie den blühenden Pflaumenbäumen eine Rückkehr zu der von Ōkyo geliebten monochromen Technik. Die realistischere Tendenz entwickelte sich in der Schule der bunjin (Gelehrte). Dabei handelt es sich um Intellektuelle, die unter konfuzianistischem Einfluss standen. Die Malerei ahmt die chinesische Kunst mit einem spezifisch Zen-orientierten Touch nach. Diese Schule, die besser als Nanga-Schule bekannt ist, beruft sich eher auf die Qualitäten einer aristokratischen Malerei als auf einen bestimmten Stil. Es geht darum, den Adel der Gefühle, die Gemütsverfassung und die soziale Stellung zu bekräftigen. Gelehrte, Geschäftsleute und Ärzte wetteifern darum, ihre Kultur und ihre Gefühle auszudrücken. Sie verwenden dann eine kostbare Kalligraphie und versuchen, eine zarte und stille Poesie durchzusetzen.
Meiji-Zeitalter
Die Öffnung gegenüber dem Westen ab 1868 führte zu einer Begeisterung für europäische Methoden, insbesondere für die Ölmalerei. Der Stil entwickelte sich zwar weiter, aber es gelang ihm nur schwer, sich von den Meistern, die er nachahmte, zu befreien. Um einen neuen Weg zwischen der westlichen Technik und der japanischen Tradition zu finden, entstand eine neue Malerei, die als Nihonga oder japanische Malerei bezeichnet wird. Sie greift auf traditionelle Techniken zurück und führt verschiedene Einflüsse ein, insbesondere die der Kanō, Tosa, Kōrin etc. Dank Ernest Fenellosa (1853-1908) oder Fenerōsa, einem amerikanischen Soziologen und Schüler der Schönen Künste in Boston, wurde die Universität der Schönen Künste in Tōkyō gegründet.
Die Ölmalerei wird zur vorherrschenden Technik. Es werden immer mehr Forschungen angestellt. Einige kehren zum Yamato-e (Bilder aus Yamato = Japan) zurück, andere zu den chinesischen Quellen, wieder andere zum Stil des Suiboku-ga . Aus diesen verschiedenen Wegen geht kein besonderer Stil hervor.
Die Malerei blieb bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs an die literarischen Strömungen gebunden. Die repräsentativsten Maler dieser Periode sind Tsuguharu Fujita, Meiji Hashimoto und Kokei Kobayashi. Viele japanische Maler des 20. Jahrhunderts holen sich ihre Inspiration in Europa und den USA.
Eres Taishō (1912-1926) und Shōwa (1926-1989)
Japanische Künstler brachten von ihren Aufenthalten in Europa das Erbe des Impressionismus mit. Cézanne und Renoir waren die wichtigsten Einflüsse dieser Generation. Dennoch war diese Zeit auch eine Zeit der Infragestellung. Fauvismus, Symbolismus und vor allem der Expressionismus fanden Anhänger. Zu den Avantgarden der 1920er Jahre gehörte das Mavo-Manifest, das mit dem Futurismus und dem Konstruktivismus in Verbindung gebracht wurde: Yanase Masamu praktizierte die Fotomontage. Als Reaktion darauf versammelte die Inten-Bewegung Künstler, die sich von westlichen Strömungen absetzten. Eine der wenigen Frauen dieser Richtung, Seien Shima (1892-1970), kämpft mit ihren Selbstporträts für die Sache der Frauen.
Die Shōwa-Ära (1926-1989) ist durch das Talent von Sōtarō Yasui und Ryūzaburō Umehara geprägt, beide stehen Matisse nahe (der erste), Renoir (der zweite). Umehara gründete die Gruppe Kokuga-kai und war der erste, der Fotografen in sein Kollektiv aufnahm.
Ab den 1930er Jahren wurde der Surrealismus zu einem Phänomen, nachdem er von Fukuzawa Ichirō nach seiner Rückkehr aus Frankreich in Japan eingeführt worden war. Er versammelte modernistische Maler, von denen einige Nihonga praktizierten, sowie Fotografen um sich. Der surrealistische Club ACC (1930-1942) zeichnet sich durch kreative Fotografie und die vom Kubismus und Surrealismus übernommene Collage aus.
Saburō Hasegawa, der 1929 von einer Europareise zurückkehrte, brachte seinerseits die abstrakte Kunst nach Japan. Die Abstraktion profitiert von der japanischen Raffinesse und Nüchternheit. Die Erneuerung der japanischen Kunst wird von Yoshihara Jirō gebracht, der die avantgardistische Gutai-Bewegung anführt. Er berief sich auf Jackson Pollock, befürwortete das Rohmaterial und ebnete den Weg für das Happening .
Der Zweite Weltkrieg, der für Zensur und Propaganda steht, beschränkt die Kunst auf patriotische Themen.
Drucke
Diese Werke, die Bilder und Texte enthalten, sind in Wahrheit Xylographien, da sie auf einen Holzblock graviert wurden. Die bekanntesten entwickelten sich in der Edo-Zeit und sind Ukiyo-e, oder Bilder der schwebenden Welt.
Europäische Liebhaber japanischer Drucke beziehen sich oft auf erotische Drucke. Diese Shunga genannte Kunst folgt der sinnlichen Literatur, die durch die Romane von Saikaku Ihara oder Kiseki Ejima repräsentiert wird. Die Shunga illustrieren die etwas schwerfälligen Romane und Reiseführer der schwebenden Welt, indem sie dieses oder jenes Freudenhaus und diese oder jene Prostituierte eher als eine andere in Szene setzen. Die Ursprünge der Shunga bleiben von dem Wunsch geprägt, die Natürlichkeit der körperlichen Beziehung gemäß dem Shintō-Glauben auszudrücken, frei von jeglicher Schamhaftigkeit jüdisch-christlicher Prägung. Die Shunga beteiligen sich in gewisser Weise an der sexuellen Erziehung von Liebenden und zukünftigen Eheleuten. Die wichtigsten Künstler waren Settei Tsukioka, Harunobu Suzuki, Kyosen Kikurensha, Koryūsai Isoda, Shigemasa Kitao und natürlich Utamaro Kitagawa, Kunisada Utagawa und sein Schüler Kunimarō, schließlich Hiroshige Andō.
Japanische Fotografie
Die Praxis der Fotografie, die im Westen entstanden ist, reift in Japan erst spät heran. Sie findet erst in den 1950er Jahren wirklich Eingang in die japanische Kultur. Verschiedene Ansätze werden offenbart, oft als Zeugnisse eines Augenblicks.
Der Protestler Ken Domon (1909-1990) wurde wegen seines menschlichen Blicks bald unter polizeiliche Aufsicht gestellt. Er dokumentiert die Arbeitslosigkeit, das Elend und die Traurigkeit eines Volkes. Seine Serie Hiroshima zeigt der ganzen Welt die Überlebenden der Atombombe. Parallel dazu fotografiert er die traditionelle Gesellschaft, insbesondere buddhistische Tempel. Dabei geht er so vor, dass er eine lange Zeit stillsteht, um das, was sich vor seinen Augen abspielt, aus einer einzigartigen Perspektive festzuhalten.
Araki Nobuyoshi, geboren 1940, bringt den Begriff der Intimität in die Fotografie ein. Sein Ansatz, den er als "Erotos" bezeichnet, ist sowohl in der Sehnsucht nach Sex und Leben als auch in der Anziehungskraft des Todes verankert.
Daido Moriyama und Shomei Tomatsu werden von einer gemeinsamen Leidenschaft für Tokio angetrieben. Tomatsu (1930-2012) fotografiert seine Bewohner mit tiefer Empathie und folgt ihnen in seiner Serie Protest bei den Studentenprotesten. Sein fast abstrakter Blick fängt die Bewegung und die Energie seiner Zeitgenossen ein. Er gilt als Mentor von Moriyama, der in ihm den Vertreter der neuen Fotografie sieht. Der 1938 geborene Moriyama entwickelt ein eklektisches Werk, das alle Aspekte der Stadt dokumentiert: das Viertel Shinjuku, die Außenseiter, die Sinnlichkeit ihrer Bewohner. Der Künstler streckt ein Vergrößerungsglas aus, um dazu einzuladen, die verborgenen Schätze seines Landes zu entdecken.
Skulptur
Von allen wichtigen Künsten ist die Bildhauerei in der japanischen Kultur am wenigsten entwickelt. Die meisten Produktionen sind zunächst mit der buddhistischen Tradition verbunden. Die Raffinesse der Unkei-Schule im späten 12. Jahrhundert trägt jedoch zum Aufstieg dieser Kunst in Japan bei. Ihre schönsten Darstellungen sind in Nara zu finden.
Im modernen Japan, besonders in Tōkyō, tragen Statuen und geschnitzte Denkmäler zum Stadtbild bei. Die Skulptur blieb lange Zeit vom Westen und dem Vorbild Rodins beeinflusst. Nach dem Zweiten Weltkrieg entstand jedoch eine Strömung der experimentellen Bildhauerei. Die Gründung des Hakone Open Air Museums im Jahr 1969 förderte den Aufschwung der Freiluftskulptur. Holz und natürliche Materialien sind bei zeitgenössischen Bildhauern beliebt.
Takashi Murakami
Takashi Murakami (*1962) ist ein Vertreter der neuen Bildhauerei und des Pop-Revivals. Er inszeniert gerne eine Figur mit großem Kopf, Dob, der zu seinem Selbstporträt geworden ist. Seine Kunst ist stark von der Welt der Mangas und der Otakus geprägt.
Der würdige Erbe Warhols ließ sich zunächst in Nihonga ausbilden, wodurch er traditionelle Techniken mit der Manga-Kultur verbinden konnte. Seine farbenfrohen Werke bedienen sich der Skulptur, die manchmal monumental ist, der Malerei, der Installation und des Videos.
Ab 2001 übernahm er die Führung der Neo-Pop-Bewegung Superflat, die die Autonomie Nippons gegenüber westlichen Referenzen bekräftigte. Murakami stellt weltweit aus, in Japan u. a. im Hiroshima Museum of Contemporary Art, in der Gallery Aoi in Osaka und in der Hosomi Contemporary Gallery in Tokio.
Murakami hat außerdem die Musikvideos It Girl von Pharrell Williams und You Should see me in a crown von Billie Eilish gedreht. Eine seiner Skulpturen aus Glasfaserkunststoff wurde in New York für fast eine halbe Million Euro verkauft.
Zeitgenössische Fülle
Seit der Katastrophe von Fukushima im Jahr 2011 ist eine neue Generation von Künstlern im Entstehen. Im Gegensatz zum Superflat, der ein oberflächliches Bild von Japan vermittelt, sind die Werke nun realistischer und engagierter. Die Welle von Künstlern nach Fukushima versucht, die Zweifel und Enttäuschungen eines Volkes angesichts der Atomisierung des Landes auszudrücken.
Die futuristischen Bauten in Tokio beherbergen erstklassige Galerien und Museen für zeitgenössische Kunst. Der Roppongi Hills-Komplex bietet eine Vielzahl von Ausstellungsorten: das Nationale Kunstzentrum und das Mori Kunstmuseum, ein wichtiger Ort der zeitgenössischen Kunstszene, sowie Kunstgalerien wie die Sky Gallery. Im Stadtteil Ginza wird die Fotografie in der Canon Gallery Ginza ausgestellt, die ein echter Talentsucher ist.
In Osaka, dem Geburtsort von Tadao Ando, dem Tempel der zeitgenössischen Kunst, beherbergt das Nationale Kunstmuseum eine außergewöhnliche Sammlung von Nachkriegskunst: Picasso, Ernst, Cézanne oder der Maler Foujita. Es ist wichtig zu wissen, dass sich die nationalen Kunstmuseen Japans einen gemeinsamen Katalog teilen: das Nationalmuseum für moderne Kunst Kyoto (MOMAK), das Nationalmuseum für moderne Kunst Tokio, das Nationalmuseum für Kunst Osaka und das Nationalmuseum für westliche Kunst Tokio.
Auf der Insel Naoshima reimt sich zeitgenössische Kunst auf natürliche Schönheit. Unter der Schirmherrschaft des Mäzens und Sammlers Soichiro Fukutake entwarf Tadao Ando das berühmte Benesse House Museum, das 1992 eröffnet wurde . Ando entwarf dann das unterirdische Museum Chichu; ein geschicktes Spiel mit dem natürlichen Licht verändert das Aussehen der Installationen im Laufe der Stunden. Der Ort beherbergt unter anderem die Seerosen von Monet.
Einige Inseln im Binnenmeer sind der zeitgenössischen Kunst gewidmet. Neben den Ausstellungen, die das ganze Jahr über zu sehen sind, bietet die Setouchi-Triennale eine perfekte Gelegenheit für einen Aufenthalt in der Region.
