Geburt und goldenes Zeitalter des japanischen Kinos
Jahrhunderts wurde das japanische Publikum von den Erfindungen Edisons und der Gebrüder Lumière inspiriert und in den Bann des Kinos gezogen. Am 15. Februar 1897 fand im Nanchi-Enbujo-Theater in Osaka die erste Filmvorführung statt, die den Beginn der japanischen Filmgeschichte markierte. Schon bald bemächtigten sich die ersten japanischen Kameramänner und Filmemacher des Mediums. Zu ihnen gehörten Shirō Asano und sein Angestellter Shibata Tsunekichi, die die ersten japanischen Filme drehten. Tsunekichis Spaziergang unter dem Laub des Ahornbaums (1899) ist eines der wenigen erhaltenen Werke aus dieser Zeit. Wie dieser Kurzfilm wurde das frühe japanische Kino stark vom Kabuki-Theater beeinflusst, das für die nationalen Regisseure eine Quelle von Schauspielern war. Matsunosuke Onoe, der seit seinem 14. Lebensjahr Mitglied einer Wandertruppe war, wurde zu einem der ersten Stars des japanischen Kinos. Zwischen 1909 und 1926 spielte er in fast tausend Filmen mit, darunter zahlreiche Jidaigeki, Schwertfilme, die Vorläufer der großen Samurai-Streifen. Das noch stumme Kino wird von den Benshi begleitet, den Lebemännern, die die Filme erzählen, beschreiben und animieren und deren Ruhm bald genauso groß ist wie der der Stars, die auf der Leinwand zu sehen sind. Wenn Sie die Gelegenheit haben, versuchen Sie, die Komödie Talking the pictures von Masayuki Suo (2019) ausfindig zu machen, eine vibrierende und witzige Hommage an diese magische Periode der Filmgeschichte.
In den 1930er Jahren traten im japanischen Kino mit den ersten Filmen von Yasujirō Ozu(Kinder von Tokio, 1932) und Kenji Mizoguchi(Die Elegie von Osaka , 1936) die ersten großen Figuren auf. Diese Zeit, die von Wirtschaftskrisen durchzogen war und vor dem Hintergrund des aufkeimenden Nationalismus stattfand, brachte sozialere Themen in das Kino, das bis dahin auf Theateradaptionen und Epochenfilme beschränkt war. Sowohl Ozu als auch Mizoguchi griffen diese Themen auf, indem sie in Gosses de Tokyo vernachlässigte Kinder und in L'Élégie d'Osaka ein junges Mädchen zur Prostitution zwangen, um zu überleben.
Der Krieg und die Einführung der staatlichen Zensur im Jahr 1939 behinderten die Produktion, brachten sie aber nicht zum Stillstand. Mizoguchi und Ozu führten weiterhin Regie, wobei sie sich mehr oder weniger erfolgreich durch die Maschen der Regierung schlängelten. So wurde Ozus Film Der Geschmack von Reis mit grünem Tee (1952) von der Zensurbehörde abgelehnt, es sei denn, er nahm drastische Änderungen am Drehbuch vor, die er aber nicht akzeptierte. Die Filme Die Geschwister Toda (1941) und Es war ein Vater (1942) sollten die einzigen Produktionen des Regisseurs in dieser Zeit bleiben. Mizoguchi seinerseits drehte sowohl persönliche Erzählungen, darunter seine "Trilogie der Kunst", als auch Propagandafilme für Shōchiku, den 1895 gegründeten japanischen Filmriesen. Aus dieser Zeit stammt " Märchen der späten Chrysanthemen " (1939), der heute als einer der besten Filme des Meisters gilt.
Nach dem Krieg und trotz der strengen Überwachung durch die Amerikaner wurde das japanische Kino durch diese Filmemacher und den Newcomer Akira Kurosawa wiederbelebt. Der vielseitige und talentierte Kurosawa entwickelte schnell ein scharfes Gespür für das Erzählen von Geschichten und belebte die Genres des japanischen Kinos neu. 1951 wurde Rashōmon (im Jahr zuvor in Tokio veröffentlicht) in Venedig ausgezeichnet, bevor er den Oscar für den besten fremdsprachigen Film erhielt. Das japanische Kino wurde der ganzen Welt bekannt und Werke wie Reise nach Tokio (Ozu, 1953), Die Geschichten vom Wellenmond nach dem Regen (Mizoguchi, 1953) und Die sieben Samurai (Kurosawa, 1954) gehören nun zum Pantheon des Weltkinos. Ozu und Mizoguchi starben einige Jahre später, aber Akira Kurosawa setzte seine Karriere bis in die 1990er Jahre fort, indem er das Erbe der japanischen Meister fortsetzte und sich mit Filmen wie Kagemusha (1980) oder Ran (1985) erneuerte.
Genrekino und Nouvelle Vague
Mehr noch als im Westen erhält der Begriff des Filmgenres im japanischen Kino seine volle Bedeutung. Diese Tradition, die mit den Mantel- und Degenfilmen und den Samurai-Filmen begann, explodierte nach dem Krieg und wurde immer vielfältiger, was zu einer großen Vielfalt an Stilen führte. Das Trauma der Bombe führte zur Entstehung eines neuen Filmgenres, dem kaijū-eiga, oder Monsterfilm. Ishirō Hondas Godzilla (1954), das Flaggschiff dieser Bewegung, war ein Welterfolg, der eine ganze Reihe von Fortsetzungen und eine regelrechte weltweite Bewegung um die Figur des Monsters vor dem Hintergrund des Kalten Krieges und der ständigen Angst auslöste.
In den 1960er Jahren, als die Besucherzahlen in den Kinos zurückgingen und die Studios nach neuen Talenten suchten, entstanden zwei gegensätzliche und doch komplementäre Strömungen. Auf der einen Seite steht ein rebellisches und mittelloses Kino, das der Filmemacher der japanischen "Neuen Welle", mit Talenten wie Nagisa Ōshima(Nacht und Nebel in Japan, 1960), Yoshishige Yoshida(Der See der Frauen, 1966) oder Shōhei Imamura. Letzterer wurde in den 1960er Jahren in Frankreich bekannt und ist einer der wenigen Filmemacher, die in Cannes zwei Goldene Palmen erhielten, und zwar für seine Filme Die Ballade von Narayama (1983) und Der Aal (1997). Auf der anderen Seite gibt es ein ebenso mittelloses Kino, das jedoch weit weniger revolutionäre Ziele verfolgt: das Pinku-Eiga oder Erotikkino. Diese Filme wurden im Westen kaum gezeigt, brachten jedoch ein immer größeres Publikum in die Kinos und machten sie zu einem der wichtigsten Genres der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, dessen Erbe bis heute anhält. In dieser Zeit entstanden auch die Yakuza-Filme, die vor allem von dem Regisseur Takeshi Kitano getragen wurden. Eine Welt, in der Gewalt und Defätismus angesichts einer zunehmend zügellosen japanischen Gesellschaft herrschen, gipfelte in den 1980er und 1990er Jahren in Filmen wie Sonatine (1993), der Kitano im Westen bekannt machte. Zu seinen größten Erfolgen vor der Kamera zählt Battle Royale (2000), der zweifellos einer der Kultfilme des Jahrzehnts ist. Die J-Horror-Filme, in deren Mittelpunkt Geister und böse Geister stehen, sind um die Welt gereist, bevor sie von Hollywood neu aufgelegt wurden, oft in einer Qualität, die weit unter der der Originale liegt. Zu den bekanntesten Vertretern dieser Art gehören The Grudge (Takashi Shimizu, 2002) oder The Ring (Hideo Nakata, 1998).
Heute leben all diese Genres mit einer neuen Generation von Filmemachern zusammen, die auf internationalen Filmfestivals ausgezeichnet wurden. So gewann Naomi Kawase mit Der Wald von Mogari (2007) den Großen Preis der Filmfestspiele von Cannes, Hirokazu Kore-Eda erhielt die Goldene Palme für Eine Familienangelegenheit (2018), während Sion Sono regelmäßig auf alternativen Festivals rund um sein ebenso vielseitiges wie einzigartiges Werk zu sehen ist.
Wenn Japan zum Leben erwacht
Der japanische Animationsfilm ist mehr als nur ein Genre, er ist eine eigenständige Industrie, die in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts ihren Realfilm an Ansehen überholt hat. Der Export dieser Billigproduktionen, der in den 1960er Jahren mit Astro Boy begann, explodierte in den 1980er Jahren mit Sendungen wie Le Club Dorothée. Dragon Ball, Die Ritter des Zodiak oder Sailor Moon eroberten die Fernsehbildschirme, während der japanische Anime mit Katsuhiro Otomos Akira (1988) auf den großen Leinwänden der ganzen Welt seinen Durchbruch feierte. Von da an gab es Anime in allen Formen und Genres und Millionen von Menschen strömten in die Kinos und auf Streaming-Plattformen, um die neuesten Episoden ihrer Lieblingssaga zu sehen. Unter den großen Studios nimmt Toei Animation einen wichtigen Platz in der japanischen Wirtschaftslandschaft ein und produziert die Serien und Filme Dragon Ball Super oder One Piece. Daneben hat sich das Studio Ghibli, das von seinen Mitbegründern Hayao Miyazaki und Isao Takahata getragen wird, mit seinen Filmen, die von Poesie und Fantasy geprägt sind und gleichzeitig eine Botschaft des Friedens und der Universalität vermitteln, einen Namen gemacht. Mein Nachbar Totoro (1988), Das Grabmal der Glühwürmchen (1989) und Prinzessin Mononoke gehören zu seinen bekanntesten Filmen, ebenso wie Chihiros Reise (2001), der mit dem Oscar für den besten Animationsfilm ausgezeichnet wurde. Zur gleichen Zeit verfilmte der Filmemacher Mamoru Oshii den Manga Ghost in the Shell (1995). Oshii, der sowohl von europäischen Regisseuren als auch von seinen japanischen Zeitgenossen beeinflusst wurde, nahm jedoch einen düstereren Blick auf die Gesellschaft seiner Zeit ein, eine Bitterkeit, die er in diese Cyberpunk-Dystopie einfließen ließ, die ebenfalls ein großer Publikumserfolg wurde. Satoshi Kon, der letzte Freigeist, ist ein Meister der Stimmungen und Welten, die er in Perfect Blue (1997) oder Paprika (2006) in Szene setzt. Heute heißen die großen japanischen Animationsfilmemacher Mamoru Hosoda(Belle, 2022) und Makoto Shinkai(Your Name , 2015), und die beliebtesten Serien werden auf speziellen Streaming-Plattformen wie Crunchyroll oder ADN gestreamt, während Netflix mit seinen Originalproduktionen Marktanteile erobert. Eines ist sicher: Der japanische Animationsfilm hat noch viele schöne Tage vor sich.
Filme in Japan sehen
Die schlechte Nachricht für Kinofans ist, dass japanische Kinos ihre Filme in der Regel ohne Untertitel oder sogar nur in der synchronisierten Version zeigen. Trotzdem können Sie als Filmfan im National Film Archive of Japan in Tokio Ihren Hunger nach japanischen Filmen stillen. Dieses ehemals dem Museum für moderne Kunst angegliederte Filmarchiv wurde 2018 unabhängig und beherbergt heute die Archive dieser reichen Filmgeschichte. Und der allererste Ghibli-Themenpark wurde im November 2022 eröffnet. Mit etwas Glück stolpern Sie während des Tokyo International Film Festival, das seit 1985 jedes Jahr stattfindet. Wählen Sie Ihre Reisedaten mit Bedacht, aber keine Sorge, das japanische Kino wird Sie nur überraschen.
