Traditionelle Musik und Tanz
Die spanische Kultur hat sich im Laufe der Geschichte des Landes und der verschiedenen Zivilisationen, die es durchquert oder erobert haben, herausgebildet. Römer, Westgoten und vor allem Araber prägten auf ihre Weise den Wortschatz und die Kultur. Nach der Rückeroberung durch die Spanier hat Spanien jedoch alle diese Elemente beibehalten und assimiliert, um eine einzigartige und gemischte Kultur zu schaffen. Eine pluralistische Identität, in der jede der 17 Regionen, wie jedes Mitglied einer großen Familie, ihren eigenen Teil besitzt und pflegt
Was wäre Andalusien zum Beispiel ohne den Flamenco? Diese Musik ist das Gesicht der Region und Liebhaber aus der ganzen Welt reisen an, nur um sie in ihrem traditionellen Element zu genießen. Auch wenn man sich seine Bedeutung vor Augen hält, wäre es schade, die Region auf diese Ästhetik zu beschränken (dazu später mehr)
Andalusien ist reich an verschiedenen Tänzen, wie z. B. dem Fandango, der in der ganzen Welt bekannt ist, da er die traditionellen Praktiken einiger südamerikanischer Länder bereist und integriert hat. Der Fandango ist sowohl ein Musikstil als auch ein traditioneller Paartanz. Er zeichnet sich durch seine lebhaften Bewegungen und den ständigen Rhythmus der Kastagnetten aus. Bei einem sich ständig beschleunigenden Tempo markieren die Tänzer die Bewegung, indem sie mit der Ferse aufschlagen. Auch in Málaga wird eine Variante des Flamenco gesungen und die Verdiales praktiziert. Als primitive, ländliche Form des Fandangos haben sich die Verdiales im Laufe der Zeit kaum verändert und eine seltene Authentizität und Vitalität bewahrt. Zwar haben Gruppen wie Grupo Folk Migas oder Andaraje seit den 1980er Jahren einen großen Anteil an der Vermittlung der traditionellen andalusischen Ästhetik, aber auch die zahlreichen lokalen Veranstaltungen haben eine wichtige Rolle gespielt. Dies gilt insbesondere für das berühmte Festival Etnosur. Hier treffen sich seit 1997 jeden Juli drei Tage lang Weltmusik und traditionelle Musik, um miteinander in Dialog zu treten. Ein Muss für jeden, der in dieser Zeit auf der Durchreise ist.
Im Nordwesten Andalusiens liegt die benachbarte Extremadura, mit der Andalusien viele Traditionen teilt und pflegt, ebenso wie mit den anderen Nachbarn Portugal und der Region Kastilien und León. Letztere bilden zusammen mit Madrid und der Region Kastilien-La Mancha ein Gebiet, das reich an Folklore ist. Typisch für diese Gegend ist unter anderem die Seguédille (oder " Seguidilla" auf Spanisch), ein lebhafter Paartanz, dessen Schritte dem Fandango oder der Jota ähneln. Der Tanz ist an seinen majestätischen Wölbungen erkennbar und beinhaltet auch viele auf den Boden geschlagene Fersen, die den Rhythmus zusätzlich zu den Kastagnetten bestimmen. In fast der gesamten Region wird auch eine starke Tradition der Musik für rondallasin der Region gibt es noch immer die typisch spanischen Saiteninstrumente und die Danzas de palos y de cintas, eine uralte Kriegsform, bei der Stöcke verwendet werden. Nicht zu vergessen sind die berühmten Chotis. Jahrhunderts in Madrid eingeführt und stammt von der Schottischen ab, einem böhmischen Paartanz, bei dem sich zwei Paare gegenüberstehen
Wenn man noch weiter nach Nordwesten geht, trifft man auf ein Trio von Regionen mit einer gemeinsamen Identität: Galizien, Asturien und Kantabrien. Hier triumphiert die Gaïta, der berühmte Dudelsack, der von der keltischen Vergangenheit der Region erzählt. Jahrhunderts eine Renaissance, die von dem ikonischen Gaitero Perfecto Feijoo eingeleitet wurde und mit der Wiederbelebung der galicischen Folklore einherging. Unter Franco mussten sich die traditionellen Stile zurückhalten, und erst nach dem Sturz des Regimes 1975 erlebten die galicische und asturische Musik einen Aufschwung, der in zahlreichen Aufnahmen festgehalten wurde. Ende der 1970er und Anfang der 1980er Jahre etablierte sich die galicische Band Milladoiro sogar als Referenz in der Welt der keltischen Musik und begann, die Klänge und Traditionen der Region auf Reisen zu schicken. Ein Jahrzehnt später tauchten Figuren wie Uxía auf, die Patronin der galicischen Musik, deren Lieder das Genre in modernere Gefilde führten. Als Zeitgenosse von Uxía trat der Gaita-Bläser und Flötist Carlos Núñez auf, der die musikalischen Traditionen der Region in der Welt besonders populär machte. Sein 1996 erschienenes Album A irmandade das estrelas verkaufte sich über 100.000 Mal und erfreute sich großer Medienresonanz. Núñez ist seitdem zu einer festen Größe in der Welt der keltischen Musik geworden. Andere moderne Gaïteros sind die Galicier Xosé Manuel Budiño und vor allem Susana Seivane, die den Weg für viele andere Künstlerinnen in diesem Bereich geebnet hat. Heute ist die traditionelle Musik Galiciens in guten Händen. Zunächst die von Mercedes Peón, einer ikonischen Figur, die sich für die Rechte der Frauen und den Schutz der galicischen Kultur einsetzt und Tradition mit Rock oder Elektro mischt. Dann die von Baiuca, einem Produzenten und Musiker, der versucht, die lokale Folklore zu bewahren, indem er sie mit Electronica, House, Cumbia oder Techno verbindet. Ebenfalls in den 1980er und 1990er Jahren kam es zu einer Wiederbelebung der traditionellen asturischen Musik, angeführt von legendär gewordenen Künstlern wie dem Gaïtero José Angel Hevia oder den keltischen Gruppen Llan de Cubel, Felpeyu und Tejedor. Es ist größtenteils ihrer Arbeit zu verdanken, dass die heutigen asturischen Musiker immer häufiger bei wichtigen Veranstaltungen in diesem Bereich auftreten, wie z. B. beim Festival Interceltique in Lorient
Angesichts des folkloristischen Reichtums der Region ist es nicht verwunderlich, dass man hier mindestens genauso viele traditionelle Tänze wie Musik findet. Einer der bekanntesten Tänze ist die melancholische Muiñeira, ein Tanz aus Galicien und Asturien, der zum Klang der Gaita aufgeführt wird. Bei diesem sehr galanten und verspielten Tanz bilden die Tänzer einen Kreis und machen synchron zur Perkussion Sprünge. Carlos Núñez und Susana Seivane spielten einige denkwürdige Muiñeiras. In Asturien ist der Danza Prima einer der wichtigsten. Ein Gruppentanz, bei dem sich die Mitglieder an den Händen halten oder ihre kleinen Finger ineinander verschränken. Die Finger bilden einen Rundtanz, der sich dreht oder vorwärts und rückwärts läuft. Weitere asturische Tänze sind Saltón, Respingu, Rebudixu, Corri-Corri und Xiringüelu oder auch Pericote. Letzterer wird mit Kantabrien geteilt und gilt als einer der ältesten Tänze des Landes. Er wird in Dreiergruppen, meist zwei Frauen und ein Mann, ausgeführt, die sich in einem Umzug vorwärts und rückwärts bewegen. In Kantabrien sind die charakteristischsten Tänze Waffentänze wie die danzas de palillos ("Stocktänze"), danzas de espadas ("Schwerttänze") und danzas de arcillos ("Tänze mit verzierten Bögen")
Wer das iberische Keltenfieber näher kennenlernen möchte, findet in diesen Regionen zwei große (und sehr beliebte) Folkloreveranstaltungen: zum einen das berühmte Interceltic Festival in Avilés, zum anderen das Internationale Festival der keltischen Welt in Ortigueira. Letzteres findet in der Regel in der ersten Julihälfte statt, wurde zum internationalen touristischen Interesse erklärt und zieht jedes Jahr über 50.000 Besucher an. Viele Folklorekonzerte finden auch an religiösen Feiertagen statt, wie dem Fest des Apostels Jakobus in Santiago de Compostela oder der Semana Grande in Santander (ebenfalls um den Jakobustag am 25. Juli).
In den Regionen La Rioja und Navarra ist der wichtigste folkloristische Ausdruck die Jota. Obwohl sie traditionell mit dem benachbarten Aragonien verbunden ist, ist die Jota ein Tanz, der praktisch im ganzen Land praktiziert wird, und jede Region pflegt eine andere Variante. Die Jotas aus Aragonien, Navarra und Rioja sind jedoch fast Zwillinge und bilden zusammen die sogenannten "Jotas de l'Ebre", einen gemeinsamen Stil. Die Jota , die sowohl Gesang als auch (gemischter) Tanz ist, ist aufgrund ihrer fast akrobatischen Sprünge, ihrer Kostüme und ihrer rasanten Kastagnettenrhythmen eine spektakuläre Tradition. Für ihre Darbietung können Gitarren, Bandurrias, Lauten, Dulzainas (Oboen) und Trommeln oder sogar Gaïtas verwendet werden. Unter den Sängern hat das Genre einige Figuren wie Juanito Pardo, Cecilio Navarro und vor allem José Oto hervorgebracht, der weithin als der wichtigste Künstler der Jota Aragonese angesehen wird. Bei den weiblichen Stimmen sind es Asunción Delmás, Pilar Gascón und Pascuala Perié, die man sich merken (und anhören) sollte. Jota kann man auch bei den Sanfermines hören, dem berühmten Fest in Pamplona, das reich an Folkloreveranstaltungen ist, oder in Jaca beim Folklorefestival der Pyrenäen
Im Baskenland, einer Region mit einer sehr ausgeprägten Identität, findet man wenig überraschend eine Welt der vielfältigen Volksmusik. Eine der auffälligsten Besonderheiten der Region ist die Bedeutung, die der Stimme beigemessen wird. Aufgrund der langen mündlichen Überlieferung - einige der dokumentierten Melodien reichen bis ins 17. Jahrhundert zurück - wird im Baskenland noch immer viel a-cappella gesungen, und die baskischen Chöre genießen internationales Ansehen. Wenn es sich nicht um reine Vokalmusik handelt, werden die traditionellen Lieder auch von der Txistu begleitet, der berühmten Dreilochflöte, die mit einer Hand gespielt wird (die andere Hand bedient in der Regel ein Schlaginstrument). Die spektakulärste baskische Tradition ist jedoch zweifellos der Bertsularismus, eine gesungene Improvisation auf Baskisch, die ein echter Eckpfeiler der Kultur der Region ist. In dieser Kunst, die eine große geistige Beweglichkeit erfordert, sieht man einen Improvisator, den Bertsolari, über ein vorgegebenes Thema versifizieren, wobei er Rhythmus und Melodie beachtet. Die Bertso-Meisterschaften, die es seit 1935 gibt, sind ein ebenso soziales wie kulturelles Phänomen und können bis zu mehreren zehntausend Zuschauer anziehen! Eine immer beliebter werdende Tradition, die eine grundlegende Rolle bei der mündlichen Weitergabe des Baskischen spielt. Ein Name, den man im Auge behalten sollte, ist Maialen Lujanbio Zugasti, die 2009 als erste Frau den Bertsolari Txapelketa Nagusia gewann. In Bilbao bietet das Basque Fest , ein großes Treffen der baskischen Kultur, vier Tage lang die Möglichkeit, die baskische Kultur durch Literatur, Gastronomie, Sport und natürlich Musik zu erleben. Wer die Kunst der Bertsolaris aus nächster Nähe erleben möchte, sollte die Sala BBK in Bilbao besuchen, ein ehemaliges Kino, das zu einer dynamischen kulturellen Plattform umgebaut wurde, oder das Doka Kafe Antzokia in San Sebastian, eine der besten Kunststätten der Stadt
Zum Abschluss dieser großen folkloristischen Rundreise durch die Regionen: Katalonien. Hier ist die große folkloristische Praxis die Sardana (" sardana" ). Er ist der bekannteste der traditionellen katalanischen Tänze und stammt von der Costa Brava - genauer gesagt aus der Region Empordà. Die Welt entdeckte ihn während der Eröffnungsfeier der Olympischen Spiele 1992, doch die Sardana entstand Mitte des 19. Jahrhunderts unter der Leitung des Musikers Pep Ventura. Seitdem ist sie relativ unverändert geblieben und zeigt Tänzer - möglichst abwechselnd einen Mann und eine Frau -, die sich in einem geschlossenen Kreis an den Händen halten und kurze und lange Schritte aneinanderreihen. Die Sardane wird immer von der Musik der Cobla begleitet, dem emblematischen Freiluft-Ensemble Kataloniens, das in der Regel aus etwa zehn Musikern und traditionellen Instrumenten wie Flabiol (Blockflöte), Tenora und Tible (zwei Arten von Oboen) und Tambori (eine Trommel) besteht. Eine weitere Spezialität sind die Havaneres, sehnsuchtsvolle Lieder auf Katalanisch oder Spanisch mit kreolischen Rhythmen, die ursprünglich von den Seefahrern angestimmt wurden, wenn sie in den kubanischen Unabhängigkeitskrieg (1895-1898) aufbrachen. In Calella de Palafrugell, wo am Strand von Port Bo jedes Jahr die traditionelle Cantada d'Havaneres stattfindet, sind diese Lieder noch immer zu hören. Die katalanische Rumba stammt aus Barcelona und ist eine Variante der Rumba Flamenca, die kubanische Einflüsse und Mambo enthält. In den 1960er Jahren wurde sie von Peret, der Ikone des Genres, sowie von Gato Pérez und El Pescaílla verkörpert. Der Pasodoble schließlich, der im ganzen Land verbreitet ist, ist ein Gesellschaftstanz militärischen Ursprungs, dessen Schritte vom Stierkampf inspiriert sind.
Flamenco
Auch wenn er aus dem südlichen Andalusien stammt, ist der Flamenco die Ästhetik, die den gesamten Geist Spaniens verkörpert, sein Fieber, seine Leidenschaft - kurz: das Land als Ganzes. Der Flamenco entstand aus der Verschmelzung der Kultur der Zigeuner und der andalusischen Welt und besteht aus drei Elementen: Gesang, Tanz und Gitarre. Die Rhythmen werden von den Füßen und Händen der Tänzer geschlagen, deren Schritte sich unterscheiden, je nachdem, ob sie von einem Mann (mehr Kraft) oder einer Frau (mehr Sanftheit und Sinnlichkeit in den Bewegungen) ausgeführt werden. Begleitet wird dieser leidenschaftliche Tanz von einem ausdrucksstarken Gesang, der die Tiefen der Seele seines Interpreten zum Ausdruck bringt. Eine der bekanntesten Gesangsarten ist der cante jondo, der "tiefe Gesang" der Gitanos, der durch große Ton- und Stimmvariationen gekennzeichnet ist und den Zuhörer zu Tränen rührt. Das Adjektiv " jondo" , das die ältesten Lieder des Flamenco-Repertoires beschreibt, bezieht sich auf den Ursprung des Gesangs, sowohl auf die Tiefen der Kehle als auch auf die Tiefen des Wesens... Die gutturale Aussprache kündigt den rohen Charakter des Gesangs an.
Der Flamenco ist im ganzen Land verbreitet und kennt regionale Varianten ( Palos), von denen die bekanntesten Bulería, Soleá, Alegría, Fandango, Jaleo
usw. sind.Flamenco, der ursprünglich bei religiösen Festen, Zeremonien oder privaten Feiern gespielt wurde, wird überall auf der Bühne aufgeführt. In Madrid zum Beispiel kann man Flamenco fast täglich im Café de Chinitas, im Centro Cultural Flamenco De Madrid, im Corral De La Morería (der als "Kathedrale der Flamenco-Kunst" in Spanien gilt) oder in der Casa Patas sehen. Ansonsten stehen die besten Flamencotänzer wie Sara Baras oder Rocio Molina (zwei unumgängliche Figuren) regelmäßig in Madrider Theatern wie dem Teatro Calderón
auf der Bühne.In Sevilla gibt es, wie man sich denken kann, unzählige Möglichkeiten, Flamenco auf der Bühne zu sehen. Dazu gehören das Casa de la Memoria, ein Kulturzentrum, das Ausstellungen, Konzerte und Vorträge über den Flamenco organisiert, das Tablao Alvarez Quintero, in dem jeden Abend traditioneller Flamenco aufgeführt wird, und das Casa Del Flamenco, in dem Autoren in einer intimen Atmosphäre ihre Werke aufführen, casa De La Guitarra, ein Neuling in der Flamencoszene Sevillas, der jeden Abend ehrlichen und leidenschaftlichen Flamenco bietet, Esencia, eine kleine traditionelle Bodega am Ufer des Guadalquivir, oder Flamenqueria
, die sich am selben Ufer, aber in Triana, befindet.Nicht zu vergessen ist Jerez De La Frontera, eine Küstenstadt in der Provinz Cádiz, die als die Wiege des Flamenco gilt. Viele der ganz großen Namen stammen von hier - Antonio Chacón, Manuel Torre, Manuel Moreno Jiménez und Moraíto Chico, um nur einige zu nennen - und diese (nicht ganz so) kleine Stadt ist gespickt mit großartigen Orten, die die Kunst des Flamencos zelebrieren. Da wäre zum Beispiel das Tablao Flamenco Puro Arte, die wahrscheinlich beste Flamencoshow der Stadt, das Centro Andaluz de Flamenco, das im wunderschönen Pemartín-Palast untergebracht ist und Ausstellungen, Konzerte, Seminare und Vorträge über die Welt des Flamenco organisiert, oder Las Cuadras
, eine Bar in den ehemaligen Stallungen des Palastes der Gräfin de Casares und gegenüber der schönen Kirche St. Dionysius, in der traditionelle Flamencokonzerte stattfinden. Molina, das Idol der Spanier in den 1950er und 1960er Jahren, Paco de Lucia, der als der beste Flamencogitarrist aller Zeiten gilt, und Camarón de la Isla, der auf der ganzen Halbinsel verehrt und gehört wird, sind nur einige der Orte, an denen man die Erben der großen Namen des Genres hautnah erleben kann.Klassische Musik
Nach der Reconquista im 16. Jahrhundert förderte der Austausch zwischen Spanien, Flandern und Frankreich die Entstehung eines polyphonen Gesangsstils. Zu dieser Zeit waren es vier Komponisten, die Spanien als erste auf die musikalische Weltkarte setzten: Mateo Flecha (1481-1553), Tomás Luis de Victoria (1548-1611), Cristóbal de Morales (1500-1553) und Francisco Guerrero (1528-1599). Ersterer ist vor allem für seine Ensaladas (wörtlich "Salate") bekannt, vier- oder fünfstimmige Werke, die zur Unterhaltung des Hofes geschrieben wurden, während letzterer, ein katholischer Priester, der berühmteste Polyphonist der spanischen Renaissance ist. Er wurde vielfach für die polyphone Perfektion und die Ausdrucksintensität seiner Werke gelobt. Die beiden letztgenannten, Francisco Guerrero und Cristóbal de Morales, werden weithin als die wichtigsten spanischen Komponisten dieser Zeit angesehen, die sich in ihrem Schaffen ganz der Kirchenmusik verschrieben haben. Dies gilt vor allem für den Letzteren, der zahlreiche Motetten komponierte und international bekannt wurde. Der bemerkenswerteste Aspekt der spanischen Renaissance ist zweifellos die große Anzahl von Werken, die für die Vihuela geschrieben wurden - ein für die iberische Halbinsel typisches, mit der Laute verwandtes Instrument -, deren bedeutendste Vertreter die Komponisten Luis de Milan, Alonso de Mudarra und Miguel de Fuenllana sind.
Im 17. und 18. Jahrhundert brachte die spanische Musik neben dem italienischen Einfluss, der durch die Anwesenheit der am Madrider Hof ansässigen Domenico Scarlatti, Luigi Boccherini und Gaetano Brunetti geprägt war, auch eine ihrer charakteristischsten Ästhetiken hervor: die Zarzuela. Dieses lyrische Theater, das durch den Wechsel von deklamierten und gesungenen Texten definiert wird, war ursprünglich dazu gedacht, den königlichen Hof zu unterhalten. Jahrhundert verbreitete sich die Zarzuela im ganzen Land, bereicherte sich an lokalen Traditionen und begann, Themen aus dem Alltag in ihr Repertoire aufzunehmen.
Jahrhundert seine Identität durch diese Operette, die sich u. a. dank Francisco Barbier (1823-1894) und Emilio Arrieta (1821-1894) weiterentwickelte und einen halb italienisch, halb französisch anmutenden Stil mit typisch volkstümlichen Akzenten aus Madrid mischte. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts erlangte das Genre mit den Meisterwerken von Tomas Bretón (1850-1923) und Ruperto Chapi (1851-1909) seinen Ruhm. Der Musikwissenschaftler und Komponist Felipe Pedrell ist eine weitere wichtige Figur des Genres. Heute ist die Zarzuela etwas weniger populär, aber es wird immer noch viel gespielt, vor allem im großen Teatro Calderón, das ein umfangreiches Programm bietet, und im treffend benannten Teatro de la Zarzuela, das ihr gewidmet ist
Die Wiederbelebung der spanischen Musik am Ende des 19. Jahrhunderts erfolgte durch die Verbindung von gelehrter Musik und nationaler Folklore, die durch das Werk dreier Komponisten verkörpert wurde, die zu Symbolen wurden: Isaac Albéniz (1860-1909), Enrique Granados (1867-1916) und vor allem Manuel de Falla (1876-1946). Letzterer wurde in die Ruhmeshalle der spanischen Musik aufgenommen und ist der große Pianist und Komponist des Landes. Er lebte eine Zeit lang in Paris, wo er mit Debussy, Ravel und Strawinsky verkehrte und sich von deren Modernismus inspirieren ließ, um eine neue, rein iberische und neoklassische Grammatik zu etablieren. Ein Genie der spanischen Musik, dessen Stoff man am besten durch das Anhören von Le Tricorne (Musik für Ballett) oder seiner Oper La Vie brève (Das kurze Leben ) umfassend würdigt. Nach dem Ende des Bürgerkriegs flüchtete er nach Argentinien, wo er seine letzten Lebensjahre verbrachte
Während der Franco-Zeit wurdein den 1940er Jahren das Spanische Nationalorchester gegründet, das heute das renommierteste Orchester des Landes ist, und es entstanden Persönlichkeiten wie Joaquín Rodrigo (der große klassische Komponist dieser Zeit), der große Cellist Pablo Casals (1876-1973) und die fantastische Pianistin Alicia de Larrocha (1923-2009). In dieser Zeit trat auch Enrique Fernández Arbós (1863-1939) hervor, ein Geiger, der nicht weit von einem Virtuosen entfernt war und der auch der erste große spanische Dirigent und der erste ordentliche Dirigent des Madrider Symphonieorchesters war.
In den 1960er Jahren wurde das lokale Musikschaffen von der Avantgarde geprägt. Cristóbal Halffter und Luis de Pablo, die führenden Köpfe der Bewegung "Generación del 51", befreiten Spanien aus der durch die Diktatur verursachten Isolation und führten neue musikalische Techniken wie die Zwölftonmusik und den Serialismus ein. Der in den 1960er Jahren geborene Alberto Posadas hat sich mit seinem Werk, das von mathematischen Modellen, fraktalen Formen und architektonischen Räumen inspiriert ist, als eines der beachteten spanischen Gesichter der zeitgenössischen Komposition etabliert
Jahrhunderts hat Spanien der Welt zahlreiche klassische Talente geschenkt: die Tenorsuperstars Placido Domingo und José Carreras, den Gambisten und Dirigenten Jordi Savall - einen großartigen Rächer, der ein fabelhaftes Repertoire alter Musik aus dem Mittelmeerraum vor Gleichgültigkeit und Vergessenheit schützt - sowie seine Ex-Frau, die katalanische Sopranistin Montserrat Figueras, die mit ihrer Stimme eben dieses alte, fast vergessene Repertoire wieder zum Leben erweckt hat. Die spanische Besetzung ist auch in puncto Dirigat sehr stark, mit renommierten Dirigenten wie Rafael Frühbeck de Burgos, der in den 1960er und 1970er Jahren das Spanische Nationalorchester leitete, aber auch an der Spitze von renommierten Orchestern wie den Wiener Symphonikern oder dem Rundfunk-Sinfonieorchester und der Deutschen Oper Berlin stand, Pablo Heras Casado (Leiter des Granada Festivals), Josep Pons (das Orquesta Sinfónica del Gran Teatre del Liceu, das älteste Orchester Spaniens und eines der renommiertesten der Welt), Antoni Ros-Marbà (Barcelona Symphony Orchestra) und Gustavo Gimeno (Luxembourg Philharmonic Orchestra). Der 2018 verstorbene Jesús López Cobos war lange Zeit das spanische Gesicht des Dirigierens in der Welt. Und obwohl er vor allem durch seine Arbeit beim London Symphony Orchestra in Erinnerung geblieben ist, leitete er auch das Spanische Nationalorchester und war außerdem Musikdirektor des Teatro Real, das eigentlich die Oper von Madrid ist (großartiges Programm). An der katalanischen Küste ist das Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, das Symphonieorchester von Barcelona, ebenfalls eines der renommiertesten Orchester des Landes. Sein Sitz befindet sich im sehr modernen Auditori. Dies ist eine gute Gelegenheit, um an eine katalanische Besonderheit zu erinnern: den Wagnerismus. Wagners Werk, eine einzigartige Manifestation des Jugendstils, beeinflusste im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts zahlreiche lokale Musiker in ihrer Arbeit. Dies ging so weit, dass Barcelona als eine der "wagnerianischsten" Städte der Welt angesehen wurde.
Aktuelle Musik
Der Tod von General Franco im Jahr 1975 löste einige Jahre später die Movida aus, die berühmte kulturelle Bewegung der 1980er Jahre, in der alles erlaubt schien. Die Movida, die sich durch alle Künste zog und einen freien und intensiven Lebensstil propagierte, fand eine maßgeschneiderte musikalische Verkörperung: den Rock. Die zunächst im Underground angesiedelte Szene fand schnell Anführer wie die Gruppe Leño, die zu einem Symbol wurden. In Madrid, der Hauptstadt der Movida, entstand eine Konstellation von Bands mit Kultstatus wie Radio Futura (die oft als die wichtigste Band der spanischen Popkultur bezeichnet wird), Aviador Dro Synthpop oder Nacha Pop. Für manche war die Movida zu schick und elitär, doch sie brachte auch eine bedeutende Welle von düsterem und protestierendem Rock hervor, der versuchte, einen Gegenpol zu ihr zu bilden. Die berühmte Industrial-Post-Punk-Band Esplendor Geométrico ist die Speerspitze dieser Bewegung. Eine musikalische Gegengeschichte zur Movida, die die ausgezeichnete Kompilation (erschienen 2018 bei Bongo Joe) La Contra Ola: Spanish Synth Wave & Post Punk 1980-1986 sehr gut erzählt
Seitdem haben der Movida-Rock und sein wütender Zwilling viele Kinder gezeugt, und Spanien ist derzeit das europäische Land mit einer der am schnellsten wachsenden Rockszenen. Außerhalb der spanischen Grenzen bekannt und beliebt: der kochende Garagenrock der Mädchen von Hinds sowie Los Nastys, The Parrots oder die Basken von Belako
Die größte spanische Musikkünstlerin des 21. Jahrhunderts ist nach Meinung von (fast) allen Rosalia. Gefeiert nach ihrem Debütalbum El Mal Querer (2018), auf dem sie den Flamenco zu einem nüchternen, minimalistischen und straffen Pop führte, katapultiert sich Rosalia mit ihrem zweiten Album Motomami (2022), auf dem sie Reggaeton in ein Kunstwerk verwandelt, langsam in den Status eines globalen Idols. Nichts weniger als das. In ihrem Schoß übernahm eine ganze Welle hypertalentierter Frauen die Macht über die spanische Musik, angeführt von Bad Gyal, selbstverliebter Reggaeton, Ms Nina, ebenfalls Reggaeton, aber exzentrischer, Nathy Peluso, jazziger Hip-Hop, und Mala Rodríguez, stolze Stimme des lokalen Rap
