Antike
Die Gründung des Römischen Reiches fällt mit dem Höhepunkt der griechischen Tradition zusammen. Die römische Manier wird durch den Kontakt mit der hellenischen Kunst, insbesondere der Bronzekunst, perfektioniert. Die Bildhauer kopieren die griechischen Werke, um sich selbst zu schulen. Auf der Grundlage dieser Vorbilder führten sie dann Neuerungen ein, wie z. B. die Büste (die an den Schultern oder am Hals endet) und die Popularisierung des Porträts, das nicht mehr nur dem Kaiser vorbehalten war.
Fresken und Mosaike sind ein Erbe der byzantinischen Tradition und stellen mythologische oder alltägliche Szenen dar. Sie verschönern Häuser und Tempel gleichermaßen und werden manchmal mit Fresken kombiniert, die direkt auf die Wände gemalt werden. Das Museo Archeologico nazionale di Napoli, eine der reichsten und ältesten Sammlungen antiker Kunst der Welt, beherbergt im Erdgeschoss griechische und römische Skulpturen aus der Farnese-Sammlung. Im Obergeschoss sind Überreste aus Pompeji und Herculaneum zu sehen, darunter das berühmte Mosaik von Alexander dem Großen aus dem Haus des Fauns. Der Besuch vervollständigt die Exkursion zu der Stätte, die einst von der Asche des Vesuvs bedeckt war. Zu den Wundern vor Ort gehören die flammenden Fresken in der Villa der Mysterien; das Haus des tragischen Dichters wegen seiner Szenen aus der griechischen Mythologie; die prächtige Domus des Vettii.
Der byzantinische Stil prägt die christliche Kunst lange Zeit. Er zeichnet sich durch religiöse und imperiale Themen, die Verwendung von Ikonen und Mosaiken, stilisierte Motive und Gold aus, das Staunen hervorruft. Die Einflüsse aus Byzanz durchdringen insbesondere die Basilikata und einige kalabrische Dörfer. Süditalien entwickelte sich vom 10. bis zum 14. Jahrhundert zur ersten Heimat der byzantinischen Malerei. Jahrhundert. Sehenswert sind die Fresken von Carpignano (10. Jahrhundert), Vaste oder San Vito dei Normanni (12. Jahrhundert) und die Kapelle San-Stefano in Soleto (13. und 14. Jahrhundert).
Im Norden verschwand das byzantinische Modell zugunsten einer christlichen Kunst. Die Kirchen werden mit frommen Gemälden und Skulpturen geschmückt. Die mittelalterliche Kunst, die in den Dienst des Glaubens gestellt wurde, stützt sich auf die bildliche Symbolik, um die christlichen Werte zu besingen.
Mittelalterliche Skulptur
Nach einer etruskischen Herrschaft lassen sich die Langobarden ab 568 auf römischem Gebiet nieder. Im Nordwesten Italiens entwickelt sich Ende des 11. Jahrhunderts der romanische Stil, der bis nach Sardinien und England ausstrahlt. Ästhetische Innovationen kommen über die Alpen und werden von Künstlern mitgebracht, die zum Arbeiten aus den Grenzländern kommen. So werden die in Nordeuropa entstandenen Modelle in der Region um Como verbreitet. Sie verändern die Architektur und die religiöse Kunst im Allgemeinen.
Die ersten Meister der romanischen Kunst der Lombardei sind anonyme, umherziehende Bildhauer. Viele von ihnen laufen in der Region um Como zusammen. Diese "Meister von Como" trugen zur Entstehung des lombardischen Stils bei. Sie schnitzen zoomorphe Figuren, Greife und andere Ungeheuer an der Außenseite der Basilika Sant'Abbondio und im Chor der Basilika San Fedele. Die zu dieser Zeit selteneren, gedrungenen und wenig realistischen menschlichen Darstellungen stehen im Kontrast zu den aufwendigeren Tier- und Pflanzenornamenten.
In ihrer Nachfolge traten andere Meister in Norditalien in Erscheinung: Wiligelmo in Modena, Nicolaus an der Kathedrale von Piacenza und in Ferrara; 1138 war er am polychromen Tympanon der Basilika San Zeno in Verona beteiligt. 1139 schnitzte er für das Portal der Kathedrale von Verona eine Madonna, eine Verkündigungsszene und eine Anbetung der Könige, die Elemente offenbaren, die aus Nordspanien entlehnt waren.
Wandmalerei
Jahrhundert schmücken großflächige Wandmalereien die Kirchen. In der Lombardei sind wunderschöne romanische Fresken erhalten, z. B. in Civate (Lecco), San Pietro Al Monte oder in der Kapelle San Martino in Carugo (Como). Die Künstler befreiten sich vom byzantinischen Modell. Die Figuren wurden länger und zu Beginn des 13. Jahrhunderts entstand eine naturalistischere Strömung, wie man am Fresko der Opferung Isaaks in der Kirche San Jacopo do Grissiano sehen kann, das die schneebedeckten Gipfel der Dolomiten als Kulisse hat.
Das 13. Jahrhundert läutet den Beginn einer umfassenden Eroberung der Realität ein, die die westliche Malerei erschüttert. Cimabue und sein Schüler Giotto waren die ersten, die das byzantinische Modell über Bord warfen. Indem er Leben, Emotionen und Landschaftselemente in seine Malerei einfließen lässt, leitet dieser Künstler den "neuen Naturalismus" ein. Die göttlichen Figuren nähern sich dem Menschen an.
In der Schule von Siena wurden die byzantinischen Traditionen von der gotischen Kunst abgelöst, die von Simone Martini und den Brüdern Lorenzetti, die sich durch ihre Detailarbeit auszeichneten, angeführt wurde.
Von den Scuole bis zur venezianischen Schule
Die im 13. Jahrhundert in Venedig entstandenen scuole werden als wohltätige Bruderschaften bezeichnet. Die wohlhabendsten unter ihnen beauftragten Künstler mit dem Bau oder der Verschönerung ihrer Räumlichkeiten, um ihr Prestige zu unterstreichen. Indirekt förderten sie das künstlerische Schaffen und trugen zum Aufblühen der venezianischen Schule bei. Sie führt zu einem einzigartigen Stil, der von allen italienischen Schulen am besten erkennbar ist und gotische und byzantinische Lehren sowie lokale Besonderheiten vereint.
Die Renaissance kam durch die Werkstatt von Jacopo Bellini (1400-1470) nach Venedig. Als erster Maler, der sich vollständig von der Gotik löste, überdachte er das Konzept der Perspektive und der Raumkomposition. In Venedig sind seine Werke in der Galleria dell'Accademia oder im Museo Correr zu sehen.
Tizian (um 1488-1576), Schüler von Giovanni Bellini und Sohn von Jacopo, erkundete im Laufe seines langen Lebens alle Genres: Fresken(Die Geschichte des heiligen Antonius, Scuola del Santo in Padua), Porträts und Selbstporträts, mythologische und religiöse Szenen. Er zeichnete sich durch die Wiedergabe von Licht und Bewegung aus. Als Erfinder des Halo-Effekts gibt er der Farbe den Vorzug vor der Form. Die Kunst Tizians hatte einen großen Einfluss auf die europäische Kunst.
Veronese (1528-1588) ist ein unvergleichlicher Kolorist und der Maler der venezianischen Pracht. Selbst bei seinen biblischen Themen überwogen Luxus und Schönheit die religiöse Inbrunst. Die Fresken in der Villa Barbaro di Maser verdeutlichen eine Untersuchung der Wahrnehmung des Bildraums, der mit dem architektonischen Raum konfrontiert wird.
Mäzenatentum und Quattrocento
Im späten Mittelalter war der Süden Italiens von Armut geprägt. Das Zentrum und der Norden blühen besonders stark und kanalisieren die Innovationen der Renaissance.
In Rom ist der Papst der Hauptauftraggeber. Pius II. ist ein Kunstliebhaber und schwört auf die Antike. Sixtus IV. war es jedoch, der die erste Phase des ehrgeizigsten Projekts dieser Zeit einleitete: die Sixtinische Kapelle, in der Michelangelo, Raffael und Sebastiano del Piombo zusammenarbeiteten. Sowohl in der Malerei als auch in der Bildhauerei definierten diese Genies der römischen Renaissance den Begriff des Klassizismus radikal neu.
Im 15. Jahrhundert herrschten die großen Fürstenfamilien über die italienischen Städte. Das Mäzenatentum ist in vollem Gange: die Medici in Florenz, die Sforza in Mailand. Es ist übrigens die Florentiner Schule, in der die ersten Maler der Renaissance zum Ausdruck kommen.
Die erste italienische Renaissance oder das Quattrocento wird von Masaccio repräsentiert. Als Erfinder des einzigen Fluchtpunkts definierte er Perspektive, Volumen und Proportionen neu. Der Architekt Brunelleschi entwirft die erste Kuppel. In dieser entscheidenden Epoche der Öffnung gegenüber der Welt und dem Wissen wurde die religiöse Kunst auf den Kopf gestellt. Weltliche Themen betreten die Bühne.
Sforza, Mailand und Leonardo
Die Mailänder Kunstszene erreicht ihren Höhepunkt mit der Ankunft zweier Meister: Bramante im Jahr 1479 und Leonardo da Vinci 1482. Diese kreative Explosion wird von Mäzenen ermöglicht.
Francesco Sforza und seine Nachkommen waren für die außergewöhnlichsten Aufträge verantwortlich. Vincenzo Foppa führt für ihn einige Fresken in der Portinari-Kapelle aus. Dort wendet er die Lektionen der Architektur auf wunderbare Weise auf die Malerei an: Er schafft die Illusion von Raum durch einen einzigen Fluchtpunkt.
Ludovico il Moro beauftragte Leonardo mit der Dekoration einer kleinen Wand im Refektorium von Santa Maria delle Grazie, dem Cenacolo Vinciano. Das Genie schuf 1498 das berühmte Abendmahl. Die lebhaften Emotionen der Apostel dominieren die Komposition der zu dritt gruppierten Figuren, wodurch Christus in der Mitte isoliert wird. Das Licht greift die natürliche Beleuchtung des Raumes auf, um dem Betrachter das Gefühl zu geben, in die Szene einzutreten.
Leonardos (1452-1519) Genie beeindruckte seine direkten und indirekten Schüler über mehrere Jahrzehnte hinweg. Als Sohn eines Bauern trat Leonardo als Ingenieur an den Hof des Mailänder Herzogs Ludovico Sforza. Da er sich für Mathematik, Musik, Bildhauerei, Wissenschaft, Zeichnen und Architektur begeisterte, erhielt er schon bald Aufträge für Gemälde. Seine Studien hielt er in Notizbüchern fest, wobei die meisten seiner Werke unvollendet blieben. Die Perspektive und ihre geometrische Anordnung gehörten zu seinen wichtigsten Studienobjekten.
Die durchdachte Komposition, die Melancholie der Gesichter, das Sfumato (durch eine Art Nebel abgeschwächte Konturen), androgyne Gesichter und diffuse Beleuchtung sind seine wichtigsten Beiträge, die von den "Leonardeschi" weitergeführt wurden. Jahrhundert waren Boltraffio, Andrea Solario, Cesare da Sesto, Bernardino Luini und Agostino da Lodi aktiv und trugen zur Harmonisierung des Geschmacks bei, indem sie seine Lehren im Herzogtum und sogar weit über Mailand hinaus verbreiteten.
Zu den Meisterwerken in der unumgänglichen Pinacoteca ambrosiana in Mailand gehören Leonardo, Raffael, Botticelli sowie Caravaggio, dessen Stillleben die Barockmalerei vorwegnimmt.
Barocker Stil
die "neapolitanische Schule" setzt sich im 14. Jahrhundert durch. Von Neapel aus breitet sich der barocke Hauch nach Kampanien, Apulien und Kalabrien aus. Eine dieser Tendenzen leitet sich vom Stil des Giotto ab, der gekommen war, um die Fresken in der Santa Chiara und der Incoronata (Neapel) auszuführen. Einer seiner Schüler war der 1324 geborene Tommaso de Stefani, der unter dem Spitznamen "Giottino" bekannt ist.
Aus Rom vertrieben, hielt sich Caravaggio (1571-1610) in Neapel auf. Der als großer Barockmaler anerkannte tumultartige Charakter und absolute Meister des Chiaroscuro hinterließ einen starken Eindruck auf die neapolitanischen Künstler. Unter den regionalen Malern, die man sich merken sollte: Mattia Preti (1613-1699), der "kalabrische Reiter", war einer der zu seiner Zeit bekanntesten Maler des 17. Jahrhunderts. Einige seiner Werke schmücken die Kirche San Domenico in Taverna. Seine Malerei ist stark vom Stil Caravaggios und Veroneses geprägt.
Der Barock, der Höhepunkt des religiösen Eifers, war bis ins 18. Jahrhundert in ganz Italien beliebt. In Neapel schuf Cosimo Fanzago (1593-1678) eine Fülle von seltsam realistischen Heiligenfiguren. Im Gegensatz dazu wird in Rom eine strenge Strömung des Barock von Borromini und eine fantasievollere von Bernini getragen. Diese Meister sind in den erhabenen Sammlungen der Villa Borghese in Rom vertreten.
Die Pinacoteca Nazionale in Bologna zeigt ein breites Panorama der religiösen Kunst vom 13. Jahrhundert bis zum Barock: Giorgio Vasari, Guido Reni, Raffael oder Le Tintoretto.
Auf dem Weg zum Modernismus
Der Neoklassizismus macht sich mit dem Bildhauer Antonio Canova (1757-1822) auf die Suche nach der absoluten Schönheit. Doch im 18. und 19. Jahrhundert verliert die italienische Kunst an Schwung.
1909 veröffentlichte der Dichter Filippo Marinetti (1876-1944) das Manifest des Futurismus, das den Grundstein für die futuristische Strömung legte. Diese in Mailand konstituierte urbane Kunst beschränkte sich nicht auf die Grafik. Der Futurismus befürwortet eine Ästhetik, die auf Fortschritt, Maschinen und Geschwindigkeit beruht. Der Futurismus stellt imaginäre Städte oder die stilisierte Bewegung von Maschinen in leuchtenden Farben dar. Zu seinen Mitgliedern zählten Sant'Elia, Balla, Cara oder Russolo.
Zu sehen im Padiglione d'arte contemporanea) und im Museo del Novecento, das Boccionis berühmte Bronzefigur Homme en mouvement beherbergt.
Kreation im Freien
In Süditalien ist Street Art ein Lebensstil. Das öffentliche Fresko, ein würdiger Erbe der Antike, ist selbst in den abgelegensten Dörfern beliebt.
Kalabrien ist ein Pionier bei der Aufwertung einer Stadt durch Street Art. Bereits 1981 wurde die "Operazione Murales" von Nani Razetti ins Leben gerufen, die Diamante zur Stadt der Fresken machte. In Catanzaro findet das Altrove Festival mit seinem berühmten Wettbewerb statt, der der Stadt den Titel der italienischen Hauptstadt der Street Art 2016 eingebracht hat. Eine weitere Besonderheit ist, dass dieses Dorf durch urbane Kunst den religiösen Tourismus fördert!
In der apulischen Stadt Lecce beherbergt das Viertel 167 ein großes Projekt unter der Leitung von Don Gerardo Ippolito, dem Priester der Kirche San Giovanni Battista. Große Namen der Weltbühne haben sich diesem umfangreichen Programm angeschlossen.
Die Innenstadt von Bari beherbergt eine Vielzahl von Fresken. In der Via Quintino Sella ehrt ein Wandgemälde von Angela Matarrese den Komponisten Ennio Morricone. Der Rundgang um San Cataldo beginnt mit dem "muro della gentilezza", der von drei Künstlern aus Bari gestaltet wurde. Das Viertel San Cataldo verbindet Gischt und Graffiti.
Und in den Metropolen, cosa succede? In Rom gibt es nicht weniger als 75 Spaces In vaders, Mosaike, die von dem französischen Künstler Invader signiert wurden. Die Stadtteile Monti, Trastevere und Tor Marancia sollten Sie vor allem erkunden. Ungewöhnlich: Das größte ökologische Wandgemälde Europas wurde im Stadtteil Ostiense mit Hilfe einer verschmutzungsfressenden Farbe gestaltet. Hunting pollution ist ein von Federico Massa signiertes "manger smog" (Smog fressen).
Neapel hat einen legendären Banksy auf der Piazza Gerolomini: Die "Madonna mit der Pistole" ist das erste Wandgemälde, das den Segen der Kirche erhalten hat! Im Spanischen Viertel wie auch anderswo dominiert das religiöse Thema die neapolitanische Street Art.
In Mailand führt der Rundgang "Museo d'Arte Urbana Augmentata" (MAUA) von Fresken zu Graffiti. Mithilfe eines Smartphones werden die Werke von 200 Künstlern vor den Augen der Besucher aus der Wand geholt.
Reiseziel Foto
Das MUFOCO (Balsamo) ist Italiens erstes öffentliches Museum für Fotografie und stellt die zeitgenössische Fotografie in den Vordergrund, wobei den Kindern des Landes, wie Giovanni Gastel (1955-2021), ein besonderer Platz eingeräumt wird.
Fotoliebhaber werden in Matera im Museo per la Fotografia - Pino Settanni Halt machen. Settanni bezeichnete sich selbst als "ein Maler mit einer Kamera". Er wurde 1949 in Taranto geboren und begann mit einer Serie über Süditalien, die sein Talent unter Beweis stellte.
Die zeitgenössische Fotografie wird im MADRE in Neapel inmitten einer außergewöhnlichen Sammlung internationaler Kunst ausgestellt: Anish Kapoor, Buren, Sol Lewitt, Jimmie Durham..
Land der Leidenschaften
Die Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunst der Biscozzi-Stiftung wird in einem historischen Herrenhaus aufbewahrt. Sie deckt die europäische Abstraktion mit Schwerpunkt Italien ab: Angelo Savelli, Mario Schifano, Gianni Bertini, Alberto Burri. In den elf Sälen sind auch Werke von Josef Albers, Hans Hartung und Jean Fautrier zu sehen.
Zwei bekannte Sammler haben sich in Venedig niedergelassen. Die amerikanische Mäzenin und Galeristin Peggy Guggenheim kaufte 1949 den Palazzo Venier dei Leoni am Canal Grande. Dieses Museum, collezione Peggy Guggenheim, ist von überschaubarer Größe und versammelt Meister der zeitgenössischen Kunst: Picasso, Mondrian, Chagall, Pollock, Dali, Kandinsky und Magritte.
Die Pinault-Sammlung verteilt sich auf zwei außergewöhnliche Orte, die von dem Architekten Tadao Ando restauriert wurden: den Palazzo Grassi und die Punta della Dogana. Die Künstler werden eingeladen, Werke vor Ort zu schaffen, ganz in der Tradition der Mäzene, die die italienische Kultur in der ganzen Welt erstrahlen lassen.
