Uralte Traditionen
Die ersten künstlerischen Manifestationen Norwegens sind über einen Fjord im hohen Norden verteilt. Die Petroglyphen von Alta, die zum UNESCO-Weltkulturerbe gehören, sind an fünf Orten zu finden und veranschaulichen den Glauben und das Alltagsleben der ersten Menschen. ImAlta Museum können Sie die Geschichte von Jahrtausenden entdecken.
Jahrhunderte später legten die Wikinger einen der Grundsteine für die norwegische Kultur. Die Holzschnitzerei erlebte ihre erste Blütezeit während des nordischen Hochmittelalters, wie die Sammlung des Wikingerschiffmuseums in Oslo zeigt, das derzeit wegen Renovierungsarbeiten geschlossen ist. Die Flachreliefs schmückten alle Gegenstände, Tore, Wagen und Schiffe. Die lange fortgeführte Tradition entwickelte sich ab dem 19. Jahrhundert zum Dragestil oder Drachenstil, einer neo-wikingerzeitlichen Architektur, die die vorchristliche Kultur mit diesen Beiträgen integrierte.
Kultur sâme
Die Kultur der Sami stammt von indigenen Völkern ab, die in den weiten Gebieten des Nordens, die sich bis nach Russland erstrecken, leben. Ihre auf dem Schamanismus basierende Religion wurde im 13. Jahrhundert von christlichen Missionaren zertrampelt. Dennoch bleibt ihr Glaube in Norwegen lebendig. Die dekorative Kunst oder Duodji nimmt einen wichtigen Platz ein.
John A. Savio (1902-1938) wird als der erste norwegische Künstler anerkannt. Seine Holzschnitte oder Xylographien illustrieren den Alltag seines Volkes: Rentiere, die Wildnis, die Jagd und das Skifahren. Es gibt auch einige Porträts mit einem klaren, ausdrucksstarken Strich. Savio erkundete Norwegen, indem er sich mit Zeichnen und Malen beschäftigte. Zur gleichen Zeit behandelte Nils Nilsson Skum (1872-1951) ähnliche Themen zeichnerisch. Savio und Skum waren die ersten Künstler, die einen autochthonen Blick auf ihre Kultur verbreiteten.
In jüngerer Zeit bewegt sich Iver Jåks (1932-2007) an der Schnittstelle zwischen Traditionen und Moderne. Seine Installationen, die im Duodji verankert sind, führen die norwegische Kultur in eine neue Ära. Seit den 1970er Jahren tragen seine Werke dazu bei, dass die Sámi ihre Identität in einer sich neu definierenden Gesellschaft behaupten.
Heute werden samische Künstler bei den größten nationalen und internationalen Veranstaltungen willkommen geheißen. In Norwegen haben sie ein eigenes Kunstzentrum: das Sami Dáiddaguovddáš Museum (oder Sami Center for Contemporary Art) in Karasjok. Zu den Museen und Festivals, die ihnen gewidmet sind, gehören das Sami Museum im Museum für Samische Sammlungen in Karasjok, das Sami Museum in Varanger und das Norsk Folkemuseum in Oslo. Das samische Osterfestival Kautokeino bietet Konzerte und Ausstellungen für die ganze Familie.
Auf dem Weg zum Modernismus
Bis zum 19. Jahrhundert war die norwegische Malerei ausschließlich religiös geprägt und reproduzierte die Codes ausländischer Schulen. Die erste lokale Strömung umfasste Landschaftsmaler. Sie wird von Johan Christian Dahl und Johannes Flintoe getragen. Knud Larsen Bergslien (1827-1908) wurde für seine Porträts und historischen Szenen bekannt.
Harriet Backer (1845-1932) wandte sich schon früh dem Ausland zu. Sie absolvierte ihre Ausbildung in Berlin und Italien, bevor sie 1889 an der Weltausstellung in Paris teilnahm, wo ihre Arbeit mit einer Silbermedaille ausgezeichnet wurde. In Paris arbeitete sie mit dem Maler Léon Bonnat zusammen, der sie für den Impressionismus begeisterte. Als sie 1889 nach Oslo zurückkehrte, entwickelte sie den Stil, der ihren Ruf begründete. Ihr Spiel mit Licht und Farben kann man in der Pastorale bewundern, einem Gemälde aus dem Jahr 1892, das in der Nationalgalerie (Nasjonalgalleriet) in Oslo ausgestellt ist. Bereits 1890 gründete sie eine Kunstschule, aus der viele der wichtigsten Maler der kommenden Jahrzehnte hervorgingen. Einer von ihnen war Martin Aagaard (1863-1913), der ebenfalls bei Knud Bergslien studierte und sich in der maritimen Malerei auszeichnete. Seine Werke wurden in die Sammlungen des Nordmøre Museums sowie der Schifffahrtsmuseen in Trondheim und Bergen aufgenommen. Nikolai Astrup (1880-1928), ein weiterer Schüler von Harriet Becker, vervollständigte seine Ausbildung in Paris. Astrup genoss zu Beginn des 20. Jahrhunderts einen gewissen Bekanntheitsgrad. Als Maler und Grafiker der Neoromantik schuf er Landschaften in leuchtenden Farben und Szenen aus der Gegend um Jølster. Als Lehrer leitete er die Generation der sogenannten "Astrup-Schüler" in Sandastrand an, zu der unter anderem Elias Eide, Johan Indrekvam, Toralv Flatjord und Malfinn Berquam gehörten. Diese Kunstperiode wird im Kunstmuseum(Lillehammer Kunstmuseum) gewürdigt.
Munchs Symbolismus
Vor diesem Hintergrund stellt der berühmteste aller skandinavischen Künstler die Malerei in den Dienst seiner Emotionen. Bei Edvard Munch (1863-1944) wurden Leben und Werk zu einer Einheit. Als gequälte Persönlichkeit, die vom Tod verfolgt wird, bringt er seine Ängste durch einen einzigartigen Stil zum Ausdruck. Munch wuchs in Oslo in einer wohlhabenden Familie auf. Als Kind verlor er seine Mutter und später seine Schwester und wurde von einer Tante aufgenommen, die ihn zum Zeichnen ermutigte. Munch besuchte die Königliche Zeichenschule und anschließend das von Frits Thaulow geleitete Freiluftatelier. Anschließend begibt er sich auf eine Reise durch Europa. In Paris beeindruckten ihn die Werke von Paul Gauguin und Vincent Van Gogh. Nach seiner Rückkehr nach Oslo wird er von psychischen Problemen geplagt.
Im Jahr 1893 schuf er den Schrei (Tempera auf Karton, 91 x 73,5 cm), der nun in der Nationalgalerie (Nasjonalgalleriet ) in Oslo zu sehen ist. Die Legende besagt, dass ihm diese unter einem gequälten Himmel schreiende Gestalt während eines Spaziergangs erschienen sei. Die Gestalt, die etwas Universelles an sich hat, erinnert an ein in jedem von uns verborgenes Heulen.
Als symbolistischer Maler und Vorläufer des Expressionismus markiert Munch einen Bruch, indem er das Aussehen zugunsten der Psychologie, der Gemütszustände und der Gefühle vernachlässigt. Der Tod, die Melancholie und die Angst, die ihn verfolgten, verlangten nach innovativen malerischen Formen. Er nimmt regelmäßig an Ausstellungen teil, die einen Skandal auslösen. Dadurch wird er auch über die Grenzen Norwegens hinaus bekannt. Als innovativer Grafiker erforschte er auch andere Techniken wie die Fotografie und den Kurzfilm. Am Ende seines Lebens versuchte sich Munch als Landschaftsmaler, obwohl er an Sehstörungen litt. Im Laufe seiner Karriere fertigte er zahlreiche Selbstporträts an. In einem der letzten, Selbstporträt, zwischen Uhr und Bett, stellt der Künstler sich selbst dar, wie er zwischen der Zeit und dem Bett, zwischen dem Alter und der ewigen Ruhe eingeklemmt ist. Von den eindringenden Nazis als entarteter Künstler eingestuft, vermachte Munch sein Werk der Stadt Oslo, bevor er 1944 in Einsamkeit starb. Mehrere Hauptwerke von Munch sind im KODE - Kunstmuseum in Bergen ausgestellt, einem der größten Museen Skandinaviens. Der Großteil der 28.000 Werke aus der Sammlung des Künstlers ist im Munch Museum (Munch Museet) in Oslo versammelt, das von Juan Herrero komplett renoviert und im Oktober 2021 eröffnet wird. Das schräge Gebäude, das sich mehr als 60 Meter über dem Boden erhebt, durchbricht die Skyline der Stadt.
Im Haugar Vestfold Kunstmuseum in Tønsberg ist Andy Warhols Serie von Bildern zu Edvard Munchs Werk ausgestellt.
Kunst an der frischen Luft
Skulpturenparks begeistern Wanderer und Kulturliebhaber gleichermaßen. Der Vigeland-Park (Vigeland Sparken) im Frognerparken in Oslo umfasst 214 Skulpturen aus Bronze, Schmiedeeisen oder Granit von Gustav Vigeland (1869-1943). Die Skulpturen sind alle verblüffend realistisch und ergänzen den Besuch des Vigeland Museet, das dem Bildhauer gewidmet ist, und des faszinierenden Emanuel Vigeland Museums, das sich in der Nähe des Hauses befindet, das Gustavs Bruder Emanuel Vigeland erbaute. Das Gebäude sollte seine Gemälde und Skulpturen beherbergen, wurde aber schließlich zu seinem Mausoleum. Ein außergewöhnliches Museum!
Nur wenige Minuten mit der Straßenbahn vom Zentrum Oslos entfernt befindet sich der Ekebergparken. In diesem künstlerisch gestalteten Park finden sich in der wunderschönen Natur Werke von international bekannten Künstlern. Skulpturen von Louise Bourgeois, James Turrell, Sarah Lucas und Damien Hirst teilen sich die Natur mit antiken Ruinen und Felsgravuren.
Setzen wir den Spaziergang mit einer Entdeckung der norwegischen Straßenkunst fort. Die lange Zeit abgelehnte Street Art blüht seit etwa zehn Jahren in den Städten und den entlegensten Gegenden Norwegens auf. Zu den anerkannten norwegischen Street-Art-Künstlern gehören Dolk, TEG und Argus in Bergen, Pøbel in Stavanger und Martin Whatson und DOT DOT DOT in Oslo.
Die Kommunen finanzieren Projekte, die es der Bevölkerung erleichtern, diese Farbexplosion aufzunehmen. Jedes Jahr im September bringt das Nuart Street Art Festival die Stadt Stavanger in die Farben der Straßenkunst, einschließlich der Busse. Das ganze Jahr über bleibt Stavanger ein unumgänglicher Zwischenstopp.
In den Straßen von Oslo vereinen lokale und internationale Graffiti-Künstler ihre Talente, um die Originalität ihrer Street Art aufrechtzuerhalten. Die Stadt bietet eine interaktive Karte, um sich zu orientieren. Wie wäre es mit einem Tipp? Der Stadtteil Tøyen bietet eine hohe Konzentration an urbaner Kunst. Er organisiert sich übrigens als zukünftiges Streetart-Museum unter freiem Himmel. Die Stadt Bergen ist ebenfalls als Hotspot in diesem Bereich bekannt.
Die urbane Kunst Norwegens ist nicht auf die Städte beschränkt. Im Norden, auf den Lofoten, beherbergen verlassene Gebäude das Projekt Ghetto spedalsk, das von Dolk und Pøbel ins Leben gerufen wurde. Ihr Ziel ist es, auf die Entvölkerung der ländlichen Gebiete aufmerksam zu machen.
Das holländische Viertel Flekkefjord im äußersten Süden Norwegens hat schillernde Fresken, die sich vom Weiß der alten Holzhäuser abheben.
Zeitgenössische Kunst
Die zeitgenössische Szene in Norwegen ist bemerkenswert dynamisch. Ihre Stärke zeigt sich in der Fülle der Ausstellungsorte. Neben den unzähligen öffentlichen und privaten Museen gibt es immer mehr Artist Run Spaces .
Zu den Vorreitern gehört der 1934 in Bergen geborene Rolf Aamot, der sich mit Malerei, Fotografie und Musik auseinandersetzt. Als Pionier der elektronischen Malerei verbindet er darstellende Künste, Musik und bildende Künste. Seine elektronischen Bilder beziehen seine fotografischen Arbeiten mit ein. Elektromagnetische Energien erzeugen Formen und Farben. In Norwegen kann man seine Werke unter anderem im KODE - Kunstmuseum in Bergen sehen. Seit 1980 hat sich die Multimediakünstlerin Pia Myrvold international einen Namen gemacht.
Norwegische Kunst von 1960 bis heute ist in Oslo im Astrup Fearnley Museum, einer Privatsammlung in einem von Renzo Piano entworfenen Gebäude, wunderbar zur Geltung gekommen. Zeitgenössische norwegische, europäische und amerikanische Künstler werden in wechselnden Ausstellungen gezeigt. Zu den Höhepunkten der ständigen Sammlung zählt die monumentale Skulptur Die Hohepriesterin von Anselm Kiefer.
Fotografie und Geschichte sind in Horten im Preus Museum (oder Nationales Fotomuseum) harmonisch miteinander verwoben. In den ehemaligen Lagerhäusern der Marine werden alle Epochen der Fotografie anhand von Abzügen und Materialien dargestellt. Zu den großen norwegischen Fotografen gehören Anders Beer Wilse (1865-1949), der das alte Norwegen dokumentierte, die Fotojournalistin Elisabeth Meyer (1899-1968), die für ihre ersten Bilder von Gandhi bekannt ist, Morten Krogvold (geb. 1950) mit seinen Porträts von Prominenten und Dav Aleng (geb. 1953 in Oslo), dessen Schwarz-Weiß-Landschaften um die Welt gehen.
Das MUST in Stavanger beherbergt die Sammlung von Jan Groth, die sich der Kunst von den 1960er Jahren bis heute widmet. Ein großer Überblick, der für das Verständnis des kreativen Geistes Norwegens unerlässlich ist!
