Alte Zeiten
werden aus Terrakotta oder Stuck geformt. Parallel zu diesen Ikonen entstanden einige Jahrhunderte vor unserer Zeitrechnung die ersten großen, in Stein gemeißelten Werke. Ab dem5. oder 6. Jahrhundert wurde dann die Technik des Bronzegusses nach dem Wachsausschmelzverfahren eingeführt, bei der eine Gussform verwendet wurde. Lange, erzählende Reliefs breiten sich auf den Wänden aus. Dieses Ausdrucksmittel blieb in Indien bis zum Ende des 8. Jahrhunderts blühend.
Unter der Herrschaft von Narashimavarman I. im 7. Jahrhundert schmückten Flachreliefs Tempel und Höhlen, die noch heute in der Gegend um Chennai zu sehen sind. Die Felsskulpturen in den Höhlen von Mahabalipuram sind ein perfektes Beispiel für die Volkskunst der Hindus. Unter den in den Felsen gehauenen Schreinen in Mahabalipuram, dem Shore Temple (Ufertempel), zeigt ein Hochrelief in dem Shiva gewidmeten Schrein die Gottheit in Familie oder als Somaskanda, d. h. mit seiner Frau Parvati und dem Kind Skanda. An der Nordwand erscheint die Göttin Durga als Mahisamardini, wie die kriegerische Form genannt wird. Auf ihrem Löwen reitend, jagt sie den Dämon Mahisa, der an seinem Büffelkopf zu erkennen ist. Auf der Südseite wird Vishnu dargestellt, wie er auf der Schlange Ananta, dem Symbol der unendlichen Zeit, liegt, während zwei Dämonen (das Böse und die Unwissenheit) sich darum bemühen, ihn zu erwecken. In der Höhle von Varaha 2, deren Säulen von gehörnten Löwen getragen werden, entdeckt man Vishnu als Wildschwein, das die gerade aus dem Wasser gestiegene Erdgöttin trägt. Vishnu erscheint an mehreren Stellen der UNESCO-Weltkulturerbestätte als Brahmanenzwerg oder auch als Hirte.
Merkmale der indischen Kunst
Das Besondere an der indischen Ästhetik ist ihre Beständigkeit. Bestimmte Merkmale bestehen seit zwei Jahrtausenden fort und finden sich in allen Genres wieder. Die religiös motivierte Kunst dominiert, obwohl es auch weltliche Kunst gibt. Religion und Alltagsleben sind jedoch so stark miteinander verwoben, dass es oft schwierig ist, sie voneinander zu unterscheiden.
Die menschliche Figur wird gerne idealisiert. Da sie in der Regel im Erwachsenenalter dargestellt wird, zeigt sie keine Anzeichen von Alterung, Krankheit oder Schwäche. Es gibt auch keine Scham, sondern eine Verherrlichung des menschlichen Körpers. Der Akt wird kaum von einem leichten Kleidungsstück verhüllt. Die Frau zeigt stolz ihre Sinnlichkeit, raffiniert und sanft.
Die indischen Künstler, Bildhauer und Maler, schöpfen munter aus dem Pantheon mit seinen 33 Millionen Göttern. Die große Dreifaltigkeit, die aus Brahma, Vishnu und Shiva besteht, wird jedoch stark bevorzugt. Jeder von ihnen besitzt mehrere Erscheinungsformen und Attribute, je nachdem, welche Geschichte erzählt werden soll. Hinzu kommen lokale Glaubensvorstellungen, die das Spektrum der Inkarnationen noch erweitern. Die Avatare sind vom Tierreich und den Eigenschaften, die jeder Spezies zugeschrieben werden, inspiriert. So sind indische Künstler sehr gut darin, Tiere darzustellen.
In Verträgen wurde den Künstlern der Kanon klar dargelegt, an den sie sich halten mussten. Insbesondere die Herstellung von Ikonen unterlag strengen Regeln. Dennoch haben die Normen die Dynamik der indischen Kunst nie behindert. Dasselbe gilt für Fresken, auf denen religiöse Szenen dargestellt werden. Die indische Kunst hat in allen Bereichen der Kunst einen meisterhaften Sinn für Ausgewogenheit und eine außergewöhnliche Liebe zum Detail.
Aufkommen des Klassizismus
Die Goupta-Dynastie (4.-6. Jh.) ist durch einen Rückgang der menschlichen Figuren zugunsten göttlicher Themen gekennzeichnet. Die brahmanischen Themen profitieren von der grafischen Perfektion, die im Laufe der Epochen erworben wurde. Die Kunst, sowohl in der Bildhauerei als auch in der Malerei, bleibt narrativ, verliert aber nach und nach ihre Wärme. Der klassische Stil breitet sich in ganz Asien aus und wird in den kommenden Jahrhunderten neue Formen annehmen, insbesondere in Kambodscha.
In ganz Indien differenzieren sich ab dem 7. Jahrhundert lokale Schulen aus. Der Rückgang des Buddhismus, der im 12. Jahrhundert verschwindet, wirkt sich auch auf die bildende Kunst aus. Die vedische Religion, die ihm folgte, inspirierte zu bewegteren, aber auch grandioseren Werken.
Es gab zwei Tendenzen: eine, die den Kanon fortsetzte, und eine, die die Skulptur mit der Architektur verband.
Die Malerei war weniger entwickelt, wurde aber durch iranische und später europäische Einflüsse bereichert. Die Maler stellten vor allem Porträts und höfische Szenen her. Die Miniaturmaler illustrierten die brahmanischen Gedichte. Die Paläste sind mit Fresken geschmückt, aber auch mit Gemäldegalerien. Eine beeindruckende Sammlung von Gemälden aus dem 19. Jahrhundert ist im Pareekshith Thampura Museum in Cochin zu sehen, das auch unter dem Namen Durbar Hall Art Gallery bekannt ist. Das Archäologische Museum beherbergt außerdem Skulpturen und Gegenstände aus dem Besitz der königlichen Familie.
Madras-Bewegung
Der indische Modernismus kommt über diese Strömung, die sich in den 1960er Jahren in Chennai formierte. In den Jahren nach der 1947 erlangten Unabhängigkeit stellen die Künstler die nationale Identität durch ästhetische Forschung in Frage. Der erste indische Direktor der Madras School of Arts and Crafts, Devi Prasad Roy Chowdhury, führte einen künstlerischen Lehrplan ein, den ersten in ganz Südindien. Dieses Programm legte den Grundstein für die erste moderne Kunstrichtung. Der Impuls wird von K.C.S. Paniker, der von 1957 bis 1966 die Leitung der Einrichtung übernimmt, ausgeweitet. Ab Anfang der 1960er Jahre nähern sich einige Künstler über den Durst nach Modernität an. In der Bildhauerei wird die Bewegung von S. Dhanapal angeführt.
Studenten aus anderen Staaten halten den Trend über drei Jahrzehnte aufrecht. Doch im Gegensatz zu anderen modernen Bewegungen wie der Bombay Progressive Artists Group lehnt die Schule von Madras jegliche europäische Inspiration, einschließlich des Expressionismus, ab. Sie schöpften aus der Geschichte, der Mythologie, der Folklore und der lokalen Ikonografie, um ein nationalistisches Vokabular zu entwerfen. Figuration und Abstraktion existieren nebeneinander. K.V. Haridasan (1937-2014), ein Pionier der neo-tantrischen Kunst, vertritt die abstrakte Richtung; C. Douglas, ein 1951 geborener Maler und Bildhauer, begann mit geometrischer Abstraktion, bevor er sich im Dorf Cholamandalam niederließ, wo er die Ausdrucksmittel und die Figuration mit der Abstraktion vermischte.
Einige bildende Künstler schlossen sich im Dorf Cholamandalam an der East Coast Road zusammen. Die Gemeinschaft hat die Anerkennung des Modernismus auf ihren Schultern getragen. Zu entdecken im Cholamandal Center for Contemporary Art in Chennai.
Malerinnen
Amrita Sher-Gil (1913-1941), die als Pionierin gilt, zeigt indischen Frauen, dass der Bereich der bildenden Kunst nicht nur Männern vorbehalten ist. Amrita Sher-Gil, die ungarischer Abstammung und Sikh war, erhielt eine vielseitige künstlerische Ausbildung. Sie wurde in Musik ausgebildet und erwies sich schon früh als begabte Zeichnerin. In Paris schrieb sie sich an der Académie de la Grande Chaumière und später an der Beaux-Arts-Schule ein. Sie zeichnete sich in der Porträtkunst aus, wandte sich dann aber der Freiluftmalerei zu. Als sie nach Indien zurückkehrt, entwickelt sich ihr Stil in Richtung Vereinfachung. Dort drückt sie ihr Bild von Indien durch Porträts von Einheimischen auf der Leinwand aus. Ihr Stil bleibt an der Schnittstelle zwischen Orient und Okzident. Im Jahr 1937 schuf sie eine Trilogie über Südindien, in der Brahmacharis eines ihrer besten Werke ist. Ihr reiner Stil betrifft sowohl die Formen als auch die Farben. Sie heiratete in Ungarn und kehrte später nach Indien zurück. Die Künstlerin stellte immer wieder Codes auf den Kopf und setzte sich in Woman Resting on Charpoy (1940) mit der Darstellung der Frau auseinander. Ihre Werke wurden nach ihrem Tod im Alter von 28 Jahren der Nation geschenkt. In den 1970er und 1980er Jahren gefeiert, wird sie oft in Identitätsdebatten zitiert.
In dem Jahr, in dem Amrita Sher-Gil ihr Meisterwerk malte, wurde 1937 die erste abstrakte Künstlerin Indiens, Zarina Hashmi, geboren. Obwohl Zarina in den USA Karriere machte, nutzte sie weiterhin traditionelle Techniken wie die Xylographie, um in einem minimalistischen Stil das Exil zu thematisieren.
Aktuelle Szene
Die zeitgenössische Kunst Indiens umfasst eine Vielzahl von Stilen. Viele dieser Talente sind international anerkannt. Anish Kapoor ist durch seine Skulptur, die in den Gärten des Schlosses von Versailles zerstört wurde, in Erinnerung geblieben. Der 1954 geborene Künstler ließ sich in den 1970er Jahren in London nieder, bezeichnete sich aber weiterhin als Einwohner Mumbais. Schon in seinen Anfängen zog sein schlichter Stil die Aufmerksamkeit auf sich. Das Interesse wuchs, als seine auf dem Boden liegenden Werke gigantische Ausmaße annahmen. Kapoor spielt mit den Oberflächen. Zunächst reflektierend, werden sie später mit Vantablack bemalt, einem Schwarz, das das Licht absorbiert und so die Illusion eines Hohlraums erzeugt. Er wurde auf der Biennale in Venedig und später mit dem begehrten Turner Prize ausgezeichnet.
Sein Zeitgenosse Atul Dodiya machte 1999 mit einer Serie über Mahatma Gandhi auf sich aufmerksam. Von nun an lässt der Künstler Bilder aus Bollywood in seine Fotoinstallationen und Assemblagen einfließen.
Die 1979 geborene Bildhauerin Sakshi Gupta recycelt Alltagsmaterialien und verleiht ihnen mithilfe von Licht einen Hauch von Spiritualität. Einige Kompositionen erinnern an die Tiere der indischen Mythologie, wie das grandiose "Some Beasts".
Subodh Gupta, ein Superstar der zeitgenössischen Kunst, wurde 1964 geboren. Aus einfachen Verhältnissen stammend, ließ er sich zunächst zum Maler ausbilden, bevor er die Medien wechselte. Schließlich widmete er sich der Bildhauerei, wobei sich seine Themen um die indische Kultur drehen. Kühe und Alltagsgegenstände werden präsentiert, um die wirtschaftlichen Veränderungen in seinem Land widerzuspiegeln.
Wo?
In Chennai treffen sich die populären Künstler Südindiens in der Kunstgalerie Faraway Tree. Seit 1965 setzt sich das angesehene Sarala Art Center weltweit für die junge indische Kunst ein.
In Alwarpet konzentriert sich die Focus Art Gallery auf die innovativste Kunst. Ob internationale oder indische Künstler, in diesem Tempel des zeitgenössischen Kunstschaffens ist Originalität gefragt.
In Cochin tragen zahlreiche Kunstgalerien zur Dynamik bei. Zu nennen ist hier die visionäre Kashi's Art Gallery (Burger Street). In einem Land, in dem die Kunst allgegenwärtig ist, gibt es auch eine Fülle von Streetart-Spots. In Mumbai ist das alte Viertel Bandra die Wiege der Straßenkunst. Zwischen Chapel Lane und Bazar Road bedecken Fresken und Graffiti die Fassaden und Brücken.
Mit Hilfe der St+art India Foundation bringen die Festivals Schwung in Viertel wie den Mahim Art District in Mumbai und Kannagi in Chennai. Handgemalte Fresken zu den Themen Liebe, Frieden und Nachbarschaftsleben sind würdige Erben einer uralten Kunst.
