Präkolumbianische Kunst
Mexiko ist wegen seiner Überreste der präkolumbianischen Zivilisationen ein Publikumsmagnet. Die Skulpturen und Fresken der Maya und Azteken, die aus natürlichen Pigmenten (Insekten, Obsidian, Pflanzen und Harzen) gefertigt wurden, erinnern an Zivilisationen, die noch immer geheimnisvoll sind. Die Anerkennung der prähispanischen Kunst begann mit der Entdeckung der kolossalen Olmekenköpfe, die auf mindestens 900 v. Chr. datiert wurden. Auf Seiten der Azteken verweist der auf 1479 datierte und in einen Lavablock gehauene Sonnenstein auf wertvolle Hinweise aus ihrer Kosmogonie. Er wurde 1790 zufällig entdeckt und kann heute im Nationalmuseum für Anthropologie zusammen mit unzähligen anderen antiken Gemälden und Statuen bewundert werden. Obwohl Museen der ideale Ort sind, um diese Artefakte zu betrachten, kann man präkolumbianische Kunstwerke auch in prähispanischen Stätten wie Teotihuacán, Bonampak, Uxmal oder Cacaxtla finden, um nur einige zu nennen. Die dargestellten Szenen verherrlichen häufig die Götter und die ihnen gewidmeten Menschenopfer sowie anthropomorphe Figuren. Auf diese erste Periode der mexikanischen Malerei folgte der künstlerische Einfluss, den die Spanier mitbrachten.
Koloniale Kunst
Die Ankunft der Europäer im Land markiert einen bedeutenden Wandel der ästhetischen Codes der Neuen Welt. Es dauerte nicht lange, bis sich die Barockkunst überall im Land ausbreitete. Kirchen und Klöster wurden in Rekordzeit errichtet, und ihre Fassaden, Mauern und Wände wurden mit biblischen Szenen behängt. Neue Mal-, Gravur-, Farb- und Bautechniken wurden eingeführt, und talentierte Künstler der Mestizen, die nun Christen waren, spezialisierten sich auf die schönen Künste, die von der italienischen Renaissance inspiriert waren. Die bildlichen Darstellungen blieben in erster Linie eine Kunst im Dienste der Religion. Zu dieser Zeit galten Juan Correa (1646-1716) und der zapotekische Maler Miguel Cabrera (1695-1768) als die einflussreichsten Künstler in Neuspanien. Die wohl schönsten Beispiele für Bauwerke aus dieser Zeit sind die Kathedrale von Zacatecas in Mexiko-Stadt, der Templo Santo Domingo in Oaxaca und die gleichnamige Kirche in Puebla. Es war schließlich der Beginn der mexikanischen Revolution, als die katholischen Traditionen begannen, an Einfluss zu verlieren.
Malerische Revolution
Die dritte Periode in der Geschichte der mexikanischen Malerei folgt auf die Revolution von 1910. Die Staffeleimalerei wird zugunsten von Wandarbeiten aufgegeben. Dieses Phänomen der Malerei wird von der Regierung unterstützt, die junge Künstler finanziert, um die Wände und Fassaden öffentlicher Gebäude zu schmücken. Drei Wandmaler stechen hervor: Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros und José Clemente Orozco.
Der emblematische Diego Rivera (1886-1957) ließ sich an den Kunsthochschulen in Mexiko-Stadt und später in Madrid ausbilden. Von 1913 bis 1918 ließ sich Rivera in seinen Gemälden im klassischen Format vom Kubismus inspirieren, brach jedoch bald mit dieser Strömung und kehrte zur Figuration zurück. 1920 entdeckte er in Italien die Kunst der Freskenmalerei, die sein Verständnis von Malerei auf den Kopf stellte. Nach seiner Rückkehr nach Mexiko fertigte er riesige Wandmalereien an, bei denen er traditionelle Pigmente aus der vorspanischen Zeit verwendete. Sein erstes Wandgemälde, Die Schöpfung, fertigte er 1922 für die Escuela Nacional Preparatoria(Antiguo Colegio de San Ildefonso) an. Als vielseitiger Maler erfüllte Rivera offizielle Aufträge. Zusammen mit José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros und Rufino Tamayo komponierte er auf großen Wänden Werke in leuchtenden Farben und vereinfachtem Stil. Der überzeugte Marxist will dem Volk das Ausmaß der Übel, die Mexiko plagen, vor Augen führen. Durch ihr soziales und politisches Engagement tragen die Muralisten zum Aufbau einer neuen mexikanischen Identität bei.
José David Alfaro Siqueiros (1896-1974) engagierte sich aktiv für die mexikanische Revolution und stellte sein Werk in den Dienst seines politischen Engagements. Im Gegensatz zu anderen Künstlern seiner Generation blieb er in Bezug auf die Entwicklung Mexikos optimistisch.
Weniger engagiert als diese war José Clemente Orozco (1883-1949), der sich darauf konzentrierte, den universellen Zustand des Menschen ohne Rücksicht auf Grenzen wiederzugeben. Für Orozco ging es darum, der Welt das durch Krieg und alle Formen der Gewalt verursachte Leid vor Augen zu führen. In seinen düsteren Werken verwendet er Metaphern, um sich über Krieg, Korruption und Ungerechtigkeit zu empören.
Rund um die Wandmaler
Rufino Tamayo (1899-1991) gehört zur zweiten Generation der mexikanischen Wandmaler. Während eines Aufenthalts in New York entdeckte er die moderne Malerei und beschloss, diese neue Strömung in Mexiko-Stadt zu unterrichten. In seinem Werk tritt die politische Botschaft zugunsten abstrakter und dekorativer Formen in den Hintergrund. Seine Malerei unterstreicht die Schwierigkeiten der Mexikaner, ihre Identität zu definieren.
Das Schicksal von Frida Kahlo (1907-1954) ist eng mit Diego Rivera verbunden. Als freie und moderne Frau war sie erst 18 Jahre alt, als sie ihren zukünftigen Ehemann, den 22 Jahre älteren Diego, kennenlernte, der sie auf ihrem künstlerischen Weg bestärkte. Von da an verbanden sie ihr malerisches und politisches Engagement mit ihrer Verbundenheit zu Mexiko. 1929 heirateten sie. André Breton beschrieb Frida Kahlos Kunst "wie ein Band um eine Bombe" Trotz der Versuche des Surrealismus-Papstes lehnte Frida es kategorisch ab, in seine Gruppe eingegliedert zu werden. Kahlo, die für ihre Selbstporträts berühmt ist, ist eine Künstlerin mit einem unverkennbaren Stil, der ihre gemischte und komplexe Persönlichkeit widerspiegelt. Das Casa Azul (Blaues Haus) oder Frida-Kahlo-Museum im Zentrum von Coyoacán ist das Geburtshaus der Malerin.
Die Freundin des Paares und amerikanische Fotografin Lucienne Bloch hat die beiden Künstlerinnen oft gemeinsam oder getrennt verewigt. Von allen, die Frida Kahlo porträtierten, gelang es Bloch, ihren Humor und die Einsamkeit ihrer Leiden einzufangen.
Fotografische Tradition
Schon früh begeisterte sich die mexikanische Stadt- und Landbevölkerung für die Fotografie. So auch Hugo Brehme (1882-1954), der mit seiner Daguerreotypie die Traditionen und den Alltag der Mexikaner dokumentierte, indem er in ihre Privatsphäre eindrang. Er schuf unter anderem wichtige Porträts von Emiliano Zapata, dem Hauptakteur der Revolution. Manuel Álvarez Bravo (1902-2002) war es, der ihn dazu brachte, sich mit der Fotografie zu beschäftigen. Als Autodidakt erfand er ein Genre, das dokumentarisches und imaginäres Erzählen miteinander verband, um die kollektive Identität widerzuspiegeln. Man denke auch an die Fotografin und Aktivistin Tina Modotti, deren Werk von den französischen Surrealisten gelobt wurde. Ihre poetischen Bilder stellen die Bräuche der mexikanischen Frauen zu Beginn des 20. Jahrhunderts dar und betonen den Kampf für soziale Veränderungen. In seiner Nachfolge steht Pedro Meyer (1935), ein Pionier der zeitgenössischen Fotografie, der 1994 das Portal ZoneZero gründete, die erste Website, die sich der Fotografie widmete. In die Liste der einflussreichen Bilderjäger reiht sich auch der Fotojournalist Pedro Valtierra (1955) ein, der die mittelamerikanischen Bürgerkriege der 1970er und 1980er Jahre und die Migrationswellen, die sich in Richtung Chiapas bewegten, miterlebt hat. Diese Erfahrung brachte ihn dazu, sich intensiv mit der Situation ethnischer Minderheiten zu beschäftigen. Schließlich sind da noch die berühmten Aufnahmen des brillanten New Yorkers Spencer Tunick, auf denen sich mehr als 18.000 Menschen mitten auf dem Zócalo in Mexiko-Stadt entblößen: Purismus (oder Schamgefühl?) in seiner reinsten Form. Kurz gesagt, die 8. mexikanische art scheint viel engagierter als glamourös zu sein, da sie die großen kollektiven Herausforderungen unserer Zeitgeschichte ausstellt.
Kunst auf der Straße
Der Muralismus hat sich langsam als Volkskunst etabliert. In den 1950er Jahren lehnte die "Generación de la Ruptura" die Werte des Muralismus ab und wandte sich neuen, kosmopolitischeren Themen zu. Ihr Ziel war es, die kreative Freiheit zu erweitern und eine malerische Universalität zu erlangen, indem sie Brücken zu ihren europäischen Kollegen schlugen. Natürlich knüpft die Urban Art direkt an die ersten mexikanischen Muralistas an. Sie ist in der Volkskultur verwurzelt und alles andere als ein Modephänomen. In allen Städten Mexikos stellt sie sich weiterhin in den Dienst der Alltagsrealität. In Mexiko-Stadt erlebte die Street Art zwischen 2010 und 2012 eine Explosion. Sie wird nun von den Neo-Muralisten unter der Führung der international bekannten Künstler Saner, Cix oder Spaik getragen. Ihre Wandmalereien greifen auf die Farben und Muster von Textilien, Kunsthandwerk und lokalen Legenden zurück. In den Vierteln Roma Norte und Condesa konzentrieren sich die Nuggets der urbanen Kunst. Hier gibt es Collagen von Groenewold, Fresken von Simtheone und dem gefeierten Jorge Tellaeche zu sehen. Seine Traumlandschaften, die in Pastelltönen um dunkle Gesichter herum ausgearbeitet wurden, sind von großer Sensibilität. Der Künstler engagiert sich für wohltätige Organisationen und führt Aufträge für große Marken aus. In den Straßen der Stadt werden Frauen in allen möglichen Formen geehrt. Botschaften von Cristina Maya aus Mexiko-Stadt oder von Cuatrosiete, einer erstklassigen Kalligraphin, verbinden Worte und Bilder.
Viele Wandarbeiten sind aus offiziellen Wettbewerben hervorgegangen. Zu diesem Anlass stellt die Stadtverwaltung mexikanischen Künstlern einen Raum zur Verfügung, mit dem Auftrag, das Bewusstsein für wichtige Themen wie Umwelt und indigene Völker zu schärfen. Von den Hunderten so entstandenen Wandbildern werden die meisten von Sponsoren unterstützt, was die Markenlogos innerhalb der Wandbilder erklärt.
Zeitgenössische Kunst
Getragen von Vorzeigekünstlern der zeitgenössischen Kunst wie Gabriel Orozco und Francis Alÿs, hat die Generation der in den 1960er Jahren geborenen Künstler die mexikanische Kunstszene aufgerüttelt. Das Land zeichnet sich durch zahlreiche Künstlerkollektive aus, die auf nationalen und internationalen Bühnen sehr aktiv sind. Ihre Anliegen und Arbeitsschwerpunkte können eng mit der Notlage verbunden sein, in der sich bestimmte Regionen des Landes befinden, aber sie entwickeln auch allgemeinere Themen. Schließlich gibt es seit einigen Jahren eine Wiederbelebung der Grafica (Radierung, Lithografie, Xylografie) in vielen Ateliers, die das Erbe der Grafica Popular der 1930er und 1940er Jahre weiterführen, aber diesmal Werke schaffen, die sich stärker vom sozialen Kampf der damaligen Zeit lösen. Auf lokaler Ebene sind Mexiko-Stadt und Monterrey nach wie vor die wichtigsten Zentren des nationalen Marktes, aber die Grenzstädte im Norden (Tijuana, Ciudad Juárez) und Oaxaca sind seit den 2000er Jahren immer aktiver geworden.
Ende der 1980er Jahre gründete Orozco das Taller de los viernes oder Freitagsatelier, das an der Ausbildung innovativer Künstler beteiligt war. Zu ihnen gehörten Damián Ortega oder Abraham Cruzvillegas, der kürzlich im Carré d'Art in Nîmes ausgestellt hat. Später machten sich Künstler, die von den Institutionen gemieden wurden, daran, unabhängige Räume aufzubauen. Der erste, der inzwischen geschlossen wurde, war La Panadería von Yoshua Okón und Miguel Calderón.
Zur nächsten Generation gehören Minerva Cuevas, Tania Pérez Córdova, Mario García Torres und Martin Soto Climent, die alle auf der internationalen Bühne vertreten sind. Nach und nach entwickelte sich der Markt für zeitgenössische Kunst weiter und brachte mexikanische Sammler hervor.
Eine der tonangebenden Kunstgalerien ist Kurimanzutto, die 1999 auf Anregung von Orozco in Mexiko-Stadt gegründet wurde. Sie wurde von dem Ehepaar José Kuri und Mónica Manzutto geführt und vertrat zunächst die Künstler des Taller de los viernes. Eine Mischung aus anerkannten Künstlern und typisch lokaler Dynamik.
Neben Galerien gibt es heutzutage auch immer mehr Messen, Privatmuseen und alternative Orte. Dazu gehören das Jumex, die Messe Zona Maco, auf der die Crème de la Crème der Galerien vertreten ist, Proyectos Monclova oder auch Labor. Die junge Parque Galería wurde von zwei 30-Jährigen aufgebaut, die den Künstlern, die bisher keine Stimme hatten, Gehör verschaffen wollten: ihrem Star-Künstler Yoshua Okónmais, aber auch Allen Ruppersberg oder Didier Faustino. Das Kollektiv Bikini Wax symbolisiert die enorme Energie, die Mexiko-Stadt zu einem Epizentrum der visuellen Künste macht. Seit 2013 lädt der von Cristóbal Gracia geleitete Raum Künstler von überall her ein, die Räumlichkeiten zu besetzen. Was ist das Ziel? Kunst einmal anders zu zeigen. Denn in Mexiko gedeihen alle Stile!
Volkskunst
Der Reichtum der indigenen Kunst ist es wert, dass man sich einen Moment mit ihr beschäftigt. Wer noch nie auf Bilder oder Skulpturen der Huichol-Kunst gestoßen ist, sollte einen Besuch des Museo de Arte Huichol Wixárika in Guadalajara und des Museo de Arte Popular in Mexiko-Stadt in Betracht ziehen. Um Kunstwerke mit nach Hause zu nehmen, empfehlen wir den Mercado de Artesanías oder auch die Galerie Yawí in der Hauptstadt. Sicher ist, dass es nichts Vergleichbares gibt wie die vielfarbige und symbolische Komposition dieser psychedelischen Bilder und Skulpturen. Man denke zum Beispiel an die Arbeiten der Malerin und Stickerin Emeteria Ríos Martínez (1952-1994), die die fantastische und mystische Vision dieser komplexen Kunst perfekt heraufbeschwört. Die Kunst der Huichol (oder Wixárikas) stammt aus den Bundesstaaten Jalisco, Zacatecas, Nayarit und Durango. Anthropologen zufolge soll jedes Kunstwerk an schamanistische Riten und Symbole erinnern und den Kontakt mit den Göttern und der übernatürlichen Welt ermöglichen. Daher findet man überall im Land ihre Fadenmalereien, perlenbestickten Skulpturen und die berühmten Alebrijes , kleine Figuren, die imaginäre Tiere darstellen (letztere stammen allerdings aus Oaxaca).
